Ultimo aggiornamento:18 luglio 2025
Se pensi che costruire una carriera come designer di gioielli sia oggi una sfida, immagina com'era 50 anni fa, quando il movimento delle donne stava prendendo fuoco o un secolo fa, quando le suffragette combattevano nelle strade per il nostro diritto di voto.
Eppure i gioielli sono una forma d'arte per la quale le donne hanno sempre avuto un'affinità naturale. Dopotutto, siamo i principali indossatori e i gioielli sono spesso strettamente collegati alla moda. Progettare e realizzare gioielli è un mestiere che richiede un occhio acuto e pochi muscoli. Si può fare tranquillamente a porte chiuse. Nella maggior parte dei casi, nel corso della storia, un uomo si trovava davanti a quelle porte e gestiva l'attività.
Probabilmente c’è molto che non sappiamo (e forse non sapremo mai) sulla storia delle gioielliere. Ma sappiamo che le donne influenzavano ciò che le altre donne indossavano come loro coronamento, almeno già a metà del XIX secolo.
Ecco una panoramica della mia lunga serie "Donne che hanno aperto la strada", così potrai analizzare quel periodo cruciale in cui le gioielliere emersero dall'ombra per dare forma al design del gioiello e all'industria della gioielleria come la conosciamo.
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Ha aperto la strada alle donne che hanno aperto la strada. La chiamavano la signora Newman.
Avviando la sua carriera nel 1860, quando gli affari e la produzione di gioielli erano esclusivamente maschili, Charlotte Newman produsse gioielli ricercati e, alla fine, gestì il proprio negozio in Savile Row. Anche al culmine della sua carriera, con medaglie al suo attivo e uomini al suo servizio, rispondeva al nome di suo marito e timbrava i suoi gioielli "Mrs N."
Al giorno d'oggi, quel marchio è diventato altamente collezionabile, ed è probabile che lo diventi ancora di più.
Pendente in oro, smalto e ametista disegnato dalla signora Philip (Charlotte) Newman, 1884-1890 (Collezione del Museo di Newark. Foto John A. Faier/Richard E. Driehaus Museum) Quando è stato realizzato questo ciondolo, la signora Newman produceva gioielli da almeno 25 anni e gestiva il proprio negozio da sei. Gli storici della gioielleria attribuiscono a Charlotte Isabella Newman la prima importante gioielliera donna in studio. Attiva a Londra negli ultimi quattro decenni del XIX secolo, iniziò a lavorare per il gioielliere John Brogden.
Charlotte Newman imparò il mestiere alla Government Art School di South Kensington prima di diventare assistente di Brogden, che ereditò un'azienda di famiglia fondata nel 1796. Alcuni credono che la signora Newman potrebbe aver prodotto gioielli prima che il suo marchio iniziasse ad apparire. Quando questo braccialetto di ametista con il marchio Brogden del 1870 fu messo in vendita da Sotheby's a Londra nel 2007, la descrizione del catalogo suggeriva che la signora Newman potesse aver avuto un ruolo in esso.
Bracciale di John Brogden, 1870, venduto da Sotheby's a Londra, probabilmente prodotto dalla mia Charlotte Newman Abile orafo, Newman aveva un talento nel produrre gioielli squisiti in una gamma di stili antichi, dal bizantino al revival rinascimentale, in un modo che si adattava ai gusti attuali. Data la fame di gioielli in stile revival archeologico nell'Inghilterra vittoriana, ciò la rendeva una risorsa preziosa.
Espose con Brogden a Parigi nel 1867 e nel 1878, quando gli fu assegnata la Legion d'Honneur, e ricevette anche una medaglia d'onore come collaboratrice.
Pendente di Charlotte Newman, in oro e smalto, ca. 1890 (viste anteriore e posteriore) Dopo la morte di Brogden nel 1884, fondò la propria attività, conservando molti degli artigiani che avevano lavorato per lui. Sul suo biglietto da visita c'era scritto:"Sig.ra Newman, orafo e gioielliere di corte, 10 Savile Row, Londra".
"Gestiva un negozio e aveva uomini che lavoravano per lei", dice Elyse Zorn Karlin, che ha co-curato Maker &Muse. "Era piuttosto insolito in quel momento."
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Jeanne Boivin nel suo ufficio in Avenue de l'Opéra, Parigi, anni '30 Quando la casa di gioielli parigina di René Boivin divenne famosa, René se n'era andato da tempo. Era la sua vedova Jeanne Poiret Boivin a condurre lo spettacolo.
Jeanne Boivin ha scelto di assumere designer donne e, nel processo, ha sviluppato uno stile forte ma femminile sotto il nome Boivin e, nel processo, ha messo alcune altre donne sulla mappa.
Lei era la donna dietro l'uomo il cui nome è presente su così tanti gioielli che non aveva mai visto.
Jeanne Poiret Boivin visse all'ombra di due importanti designer parigini, suo fratello Paul Poiret, uno stilista, e il marito René Boivin. Anche Jeanne aveva un grande occhio e si dimostrò un'abile donna d'affari, gestendo da sola l'azienda per i suoi quattro decenni più famosi.
René Boivin, un abile orafo, fondò l'azienda nel 1891, ma il suo matrimonio con Jeanne Poiret due anni dopo portò legami con il mondo della moda attraverso il fratello di lei, Paul Poiret, il couturier più famoso di Parigi negli anni precedenti la prima guerra mondiale.
Puoi vedere un'estetica condivisa nei gioielli prodotti dall'azienda di sua sorella, incluso un gusto per temi, colori e materiali esotici e una passione per l'Oriente e il Medio Oriente.
Spilla articolata “Starfish” di René Boivin, 1950 circa. 1940, di rubini cabochon e pavé di ametista in oro 18 carati 
Clip di smeraldo, zaffiro sintetico, diamante, oro e platino di René Boivin, 1940 
Spilla in castagno di René Boivin con pavé di peridoti e citrini venduta da Sotheby's nel 2019 (foto Cathleen McCarthy) "Secondo me, la casa di René Boivin è un termine improprio", afferma l'esperta di gioielli Dianne Lewis Batista. "René Boivin morì nel 1917 all'età di 53 anni, all'apice della sua carriera. È a sua moglie che va attribuita gran parte dell'incredibile fama dell'azienda."
Avendo perso il figlio e il marito durante la guerra, Jeanne Boivin aveva due giovani figlie da mantenere. Non aveva altra scelta che rilevare l'attività, assumendo altri per disegnare i suoi progetti. "Sapeva come dovrebbero essere indossati i gioielli e, come suo fratello, aveva un buon senso dello stile", dice Batista. "Il suo lavoro è antecedente al suo tempo."
Oggi è quasi impossibile trovare un gioiello realizzato dalla casa di René Boivin mentre René Boivin viveva. Mentre aiutava la moglie a gettare le basi dell'azienda e del suo design estetico, il marchio da collezione che conosciamo oggi è stato creato da Jeanne Boivin e dai designer da lei impiegati, prima Suzanne Belperron e poi Juliette Moutard. Insieme, hanno creato il look distintivo per cui la casa è diventata famosa:gioielli audaci e colorati che andavano oltre la dura geometria del Déco.
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Jeanne Toussaint, 1920 (foto Adolph de Meyer) Jeanne Toussaint ha avuto un impatto drammatico sul design dei gioielli durante i suoi decenni come direttrice del dipartimento di gioielli di lusso di Cartier, che ha assunto nel 1933. Sotto la sua guida alla fine degli anni '30, Cartier ha iniziato ad allontanarsi dai disegni astratti Déco per dedicarsi a lavori figurativi come una serie di coccinelle in lacca nera e spille con teste di indiani d'America.
A lei si devono anche gli stravaganti uccelli di Cartier. Il più famoso è l'uccello in gabbia introdotto da Cartier nel 1940, simbolo della resistenza contro l'occupazione nazista, e la versione che apparve nelle vetrine di Cartier pochi giorni dopo la liberazione di Parigi:l'uccello pronto per il volo, con la porta della gabbia aperta.
"Sentiva che i gioielli dovevano essere basati sulla gioia", afferma la commerciante di gioielli Dianne Lewis-Batista. "Quale argomento migliore degli uccelli?" I pappagalli e i fenicotteri esotici erano il punto forte di Toussaint, così come le pantere, un'immagine per cui Cartier è noto ancora oggi.
Soprannominata "la pantera", Toussaint si identificava ovviamente con questo elegante predatore. Il suo appartamento era pieno delle loro pelli e lei indossava cappotti di pantera. I gioielli di pantera toccavano le corde di altre donne volitive dell'epoca. Tra chi li indossa:Barbara Hutton, la duchessa di Agha Khan e la duchessa di Windsor (che possedeva entrambi i pezzi nella foto sopra).
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Suzanne Belperron (Foto:© Archivi Olivier Baroin) Suzanne Belperron ha affinato le sue capacità di progettazione durante 14 anni presso la Maison René Boivin. Nel 1933, desiderando credito per i suoi progetti, lasciò il lavoro per il commerciante di gemme Bernard Herz, che forniva Boivin dal 1912. Diede a Belperron libero sfogo per progettare tutto ciò che voleva con il suo nome. Insieme, hanno trasformato la sua azienda e la reputazione di designer di lei in un marchio di gioielli omonimo.
Quando Belperron lasciò Boivin, portò con sé non solo la sua esperienza nel campo del design, dicono alcuni, ma anche alcuni progetti. Audrey Friedman, che colleziona e vende i gioielli di Belperron attraverso la sua Primavera Gallery a Manhattan, ha visto pezzi quasi identici, a volte con i segni di Boivin, a volte con quelli di Belperron. Ciò potrebbe essere in parte dovuto al fatto che Juliette Moutard, che ha preso il suo posto come capo stilista, ha impiegato un paio d'anni per sviluppare il proprio stile.
Moutard ha stabilito la propria estetica di design presso René Boivin nei decenni successivi. E lo stesso ha fatto Belperron, costruendosi una reputazione internazionale che continua a crescere.
Bracciale (a sinistra) di ametiste e smeraldi, ca. 1937, di René Boivin, e due di Suzanne Belperron di ametiste, tormaline e kunzite (al centro) e tormaline, smeraldi e peridoto (immagini di Christie's) 
Collana in oro bianco, platino, spinello e diamanti di Suzanne Belperron venduta per $ 181.250 da Sotheby's NY nel dicembre 2016 I pezzi distintivi di Belperron sono caratterizzati da gemme insolite, spesso tagliate a cabochon o scolpite in forme fluide, elevate a metalli preziosi di alta gioielleria, a volte diamanti. "Il suo talento nel progettare gioielli stava nel combinare e manipolare i materiali", afferma Friedman. "Aveva una predilezione per i materiali non preziosi - agata, cristallo di rocca, calcedonio e citrino - e ne fece il fulcro di un'opera. Il suo lavoro era molto personale e molto drammatico."
Bracciale di Suzanne Belperron, ca. 1936, di foglie di ametista intagliate, rubini e diamanti in oro 18 carati e platino. Venduto con collana abbinata da Christie’s nel 2019 per 507.000 dollari (foto Cathleen McCarthy) Dopo l'occupazione di Parigi, Herz, ebreo, fu arrestato e portato ad Auschwitz, dove morì nel 1943. Quando suo figlio Jean tornò a Parigi due anni dopo, sopravvissuto come prigioniero di guerra, Belperron lo prese come socio. Insieme gestirono la Herz-Belperron fino al 1974.
La domanda di gioielli Belperron continua a crescere. Negli ultimi due decenni, è davvero decollato. Suzanne Belperron è oggi una delle stiliste più collezionate del XX secolo.
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Elsa Schiaparelli chiuse il suo negozio a Parigi quasi sessant'anni fa, ma le sue stravaganti creazioni sembrano più all'avanguardia che mai. Lady Gaga potrebbe indossare il suo cappello con le scarpe sul palco e nessuno batterebbe ciglio.
Schiaparelli, o “Schiap”, come era conosciuta (pronunciato Skap), era molto in anticipo sui tempi. I suoi cappelli da scarpe, disegnati da uno schizzo di Salvador Dalí, apparvero per la prima volta nella sua collezione del 1937/1938. Schiaparelli condivideva il senso dell'umorismo e l'amore di Dalì per i giochi di parole visivi, così come il suo desiderio di scioccare e intrattenere. Ha fornito giochi di parole e immagini iconiche; è riuscita a renderli assurdi e chic allo stesso tempo. Subito dopo queste collaborazioni, Dalí iniziò a progettare seriamente i propri gioielli.
Schiaparelli lavorò tra il 1920 e il 1954, ma il suo periodo di massimo splendore fu il decennio prima della guerra. Trasse ispirazione da tutti i movimenti artistici popolari del suo tempo, tra cui Modernismo, Futurismo, Cubismo, Déco, arte africana, ma era particolarmente attratta dal Surrealismo. Insieme a Dalí, Jean Cocteau e Albert Giacometti collaborarono con lei ai progetti. Cecil Beaton e Man Ray li hanno fotografati. Tutti la consideravano un'amica e pari.
Dalla collezione Metamorphosis di Schiaparelli, 1938, presentata nella retrospettiva di Schiparelli inaugurata al Musée des Arts Décoratifs nel luglio 2022 (foto MAD) Quando Elsa Schiaparelli lanciò la sua prima mania della moda nel 1927 - maglioni con fiocchi trompe l'oeil - non aveva alcuna formazione nel design di abiti. Due anni dopo, vestiva le donne più glamour del mondo e sconvolgeva le convenzioni della moda con i suoi colori audaci e design attenti al corpo. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich e Katharine Hepburn indossavano abiti aderenti, pantaloni maschili e cappelli arroganti.
Elsa Schiaparelli ha anche creato alcuni bigiotteria e accessori memorabili, tra cui la collana (sopra) che faceva sembrare chi la indossava avere una sfilata di insetti che le strisciavano intorno alla gola. I suoi progetti di gioielli probabilmente iniziarono con le chiusure che disegnava per i suoi vestiti in legno, porcellana, celluloide, vetro, cristallo, ambra, giada bianca, ceralacca:bottoni a forma di lacci delle scarpe, lumache, top, lucchetti, dadi e bulloni, chicchi di caffè, lecca-lecca, noccioline, cucchiai, frutta e verdura.
"Lei è responsabile del sentimento di giovinezza spontanea che si è insinuato in ogni cosa", era entusiasta Vogue nel 1935.
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Marianne Ostier è stata la principale designer dietro Ostier, Inc., un'azienda di gioielli che gestiva con suo marito, Oliver Ostier nella Manhattan di metà secolo. Vincitrice di numerosi prestigiosi premi per il design dei diamanti, Ostier era nota per le montature intricate e casuali e le trame organiche che riflettono la sua formazione come artista.
Marianne Ostier studiò all'Accademia di Arti e Mestieri di Vienna ed era una pittrice e scultrice praticante quando incontrò suo marito, allora conosciuto come Otto Oesterreicher, un gioielliere di corte di terza generazione in Austria. Giunsero negli Stati Uniti nel 1938, dopo l'annessione nazista dell'Austria, e avviarono un'attività di gioielleria con il loro nuovo nome.
Diversi gioielli Ostier sono stati venduti ben al di sopra delle stime da Sotheby's l'anno scorso, tra cui una tiara di diamanti battuta a 225.000 dollari, realizzata per i reali europei prima della guerra. Mostra sia il modo fluido di Ostier con i diamanti e il platino, sia i legami regali che gli Ostier avevano quando sbarcarono negli Stati Uniti. Un altro pezzo di diamante e platino in quell'asta mostra la stilista 17 anni dopo, al suo apice del Mid-Century Modern.
Spilla “Galaxy” di diamanti (40,26 carati) in platino di Marianne Ostier, ca. 1955 
Bracciale di Marianne Ostier, ca. Anni '60, perle coltivate e diamanti, $ 24.975 a 1stdibs
Fu sulle coste americane che Ostier sviluppò uno stile distintivo molto diverso, che prevedeva forme meno simmetriche e più organiche - e un'altrettanto sorprendente maestria nell'uso dell'oro. La sua spettacolare collana "Voodoo" con frange in oro 18 carati e smeraldi cabochon, intervallati da platino con diamanti incastonati, sembra un'alga marina molto lussuosa e deve essere stata un vero e proprio tappo di festa quando ha debuttato.
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Margaret De Patta è stata pioniera di così tanti aspetti dei gioielli d'arte in studio che ora vediamo che molti pezzi da lei disegnati prima della seconda guerra mondiale sembrano essere stati realizzati ieri, da un artista visionario. Se non sei stato abbastanza fortunato da vedere la recente retrospettiva del suo lavoro al Museum of Arts &Design di New York, puoi comunque ottenere il catalogo con copertina rigida pubblicato lo scorso ottobre.
Struttura luminosa spaziale:i gioielli di Margaret De Patta è stata una delle mie acquisizioni preferite quell'anno. Per quanto riguarda la gioielleria in studio, gran parte del lavoro di De Patta sembra così contemporaneo che è difficile ricordare quanto deve essere sembrato folle al mondo della gioielleria mentre lo realizzava. "I suoi gioielli erano molto freschi, molto all'avanguardia, davvero scioccanti per alcune persone", afferma Julie Muniz, una delle autrici e co-curatrici della mostra.
Pendente in oro e quarzo rutilato, 1948, di Margaret De Patta (collezione Oakland Museum of California/foto M Lee Fatherree) De Patta studiava pittura alla Art Students League nella New York degli anni '20 quando iniziò a dedicarsi al design di gioielli, e puoi vedere chiaramente l'influenza della prima arte moderna nei suoi gioielli. Ha realizzato alcuni affascinanti pezzi cinetici, con parti che ruotano per trasformare il design, e ha incorporato normali ciottoli da spiaggia sessant'anni prima che diventassero trendy tra i gioiellieri d'arte.
Ma i gioielli più accattivanti che ha realizzato – o “sculture indossabili” come la chiamava lei – sono stati gli “opticcut” che ha disegnato con il lapidario della Bay Area Francis Sperison. De Patta ha fatto cose straordinarie con il quarzo rutilato, progettando montature metalliche per rispecchiare gli angoli delle rutilazioni e utilizzando il quarzo stesso per creare distorsioni ottiche.
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Ci sono molte altre donne che hanno aperto la strada al mondo della gioielleria come lo conosciamo. Cercherò di trovarli non appena emergono alle aste e alle mostre. Penso che le donne continueranno a svolgere un ruolo importante nel design dei gioielli. Nel corso degli anni ho intervistato molti designer e produttori di talento, ma ultimamente incontro molte più donne.
L'anno scorso ho visto una nuova generazione riattivare una vecchia lotta per la parità di diritti, culminata con milioni di persone scese in strada in tutto il mondo per la Marcia delle donne a gennaio. (Ho marciato a Washington DC, con uomini e donne.) Abbiamo fatto molta strada ma sta diventando chiaro che abbiamo molta strada da fare. Oggi celebriamo i visionari coraggiosi e talentuosi che ci hanno portato fin qui.
Copyright ©Cathleen McCarthy. Tutti i diritti riservati.
Designer di gioielli femminili
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