Senast uppdaterad:18 juli 2025
Om du tycker att det är en utmaning att bygga en karriär som smyckesdesigner idag, föreställ dig hur det var för 50 år sedan, när kvinnorörelsen precis fattade eld – eller för ett sekel sedan när suffragetterna kämpade på gatorna för vår rösträtt.
Ändå är smycken en konstform som kvinnor alltid har haft en naturlig samhörighet med. Vi är trots allt de främsta bärarna och smycken är ofta nära kopplade till mode. Att designa och tillverka smycken är ett hantverk som kräver ett skarpt öga och inte mycket muskler. Det kan göras tyst bakom stängda dörrar. Mer ofta än inte, genom historien, stod en man vid dessa dörrar och drev verksamheten.
Det finns förmodligen mycket vi inte (och kanske aldrig) vet om historien om kvinnliga juvelerare. Men vi vet att kvinnor påverkade vad andra kvinnor bar som kronan på verket, åtminstone så långt tillbaka som i mitten av 1800-talet.
Här är en översikt av min långvariga serie "Kvinnor som banade vägen", så att du kan skanna den avgörande period då kvinnliga juvelerare dök upp ur skuggorna för att forma smyckesdesign och smyckesindustrin som vi känner den.
Klicka igenom i slutet av varje kapsel för att läsa min ursprungliga profil, i sin helhet, med fler vackra bilder.
Hon banade väg för kvinnorna som banade vägen. De kallade henne Mrs. Newman.
Charlotte Newman startade sin karriär på 1860-talet, när affärer och smyckestillverkning var enbart för män, producerade eftertraktade juveler och drev slutligen sin egen butik på Savile Row. Även på höjden av sin karriär, med medaljer under bältet och män i sin anställning, svarade hon på sin mans namn och stämplade sina juveler "Mrs N."
Nuförtiden har det märket blivit mycket samlarbart och kommer sannolikt att bli ännu mer.
Hängsmycke av guld, emalj och ametist designad av Mrs. Philip (Charlotte) Newman, 1884-1884-1890 Photo of the New FaRich Museum (Collection of the New FaRich. Driehaus Museum) När detta hängsmycke tillverkades hade Mrs. Newman tillverkat smycken i minst 25 år och drivit sin egen butik i sex. Smyckeshistoriker krediterar Charlotte Isabella Newman som den första viktiga kvinnliga studiojuveleraren. Verksam i London under de sista fyra decennierna av 1800-talet, fick hon börja arbeta för juveleraren John Brogden.
Charlotte Newman lärde sig sitt yrke vid Government Art School i South Kensington innan hon blev assistent till Brogden, som ärvde ett familjeföretag som grundades 1796. Vissa tror att Mrs. Newman kan ha tillverkat smycken innan hennes eget märke började dyka upp. När detta ametistarmband med Brogdens märke från 1870-talet kom till försäljning på Sotheby's London 2007, antydde katalogbeskrivningen att Mrs. Newman kan ha haft en finger med i det.
Manschettarmband av John Brogden, 1870-talet, sålt på Sotheby's London, producerade troligen min Charlotte Newman En skicklig guldsmed, Newman hade en förmåga att producera utsökta juveler i en rad antika stilar, från bysantinska till renässansväckelse, på ett sätt som passade dagens smak. Med tanke på hungern efter arkeologiska väckelsesmycken i det viktorianska England, gjorde det henne till en värdefull tillgång.
Hon ställde ut med Brogden i Paris 1867 och 1878, då han tilldelades Legion d’Honneur, och fick till och med en egen hedersmedalj som kollaboratör.
Hänge av Charlotte Newman, av guld och emalj, ca. 1890 (vy framifrån och bak) Efter Brogdens död 1884 etablerade hon sitt eget företag och behöll många av de hantverkare som hade arbetat för honom. På hennes visitkort stod det:"Mrs. Newman, Goldsmith and Court Jeweller, 10 Savile Row, London."
"Hon drev en butik och hade män som arbetade för henne", säger Elyse Zorn Karlin, som var medkurator för Maker &Muse. "Det var ganska ovanligt på den tiden."
Läs mer om Mrs. Newman.
Jeanne Boivin på sitt kontor på Avenue de l’Opéra, Paris, 1930-talet När det parisiska smyckeshuset René Boivin blev känt var René borta sedan länge. Det var hans änka Jeanne Poiret Boivin som drev showen.
Jeanne Boivin valde att anställa kvinnliga designers och utvecklade i processen en stark men feminin signaturstil under Boivin-namnet – och satte några andra kvinnor på kartan i processen.
Hon var kvinnan bakom mannen vars namn står på så många juveler som han aldrig sett.
Jeanne Poiret Boivin levde i skuggan av två framstående parisiska designers, hennes bror Paul Poiret, en couturier, och maken René Boivin. Jeanne hade ett stort öga själv och visade sig vara en skicklig affärskvinna som skötte företaget själv under dess fyra mest kända decennier.
René Boivin, en skicklig guldsmed, grundade företaget 1891, men hans äktenskap med Jeanne Poiret två år senare gav kopplingar till modevärlden genom hennes bror, Paul Poiret, den mest kända couturier i Paris under åren fram till första världskriget.
Du kan se en delad estetik i smyckena som hans systers företag producerade, inklusive smak för exotiska teman, färger och material, en passion för Orienten och Mellanöstern.
Artikulerad brosch "Starfish" av René Boivin, ca. 1940, av cabochon rubiner och pavéametist i 18k guld 
Klipp av smaragd, syntetisk safir, diamant, guld och platina av René Boivin, 1940 
Kastanjebrosch av René Boivin av pavéset peridoter och citriner säljs på Sotheby’s i 201 (foto Cathleen McChleen9) "The House of René Boivin är lite missvisande enligt min åsikt", säger smyckesexperten Dianne Lewis Batista. "René Boivin dog 1917 vid 53 års ålder, på höjden av sin karriär. Det var hans fru som borde tillskrivas mycket av företagets otroliga berömmelse."
Efter att ha förlorat sin son och make under kriget hade Jeanne Boivin två unga döttrar att försörja. Hon hade inget annat val än att ta över verksamheten och anställa andra för att rita hennes mönster. "Hon visste hur juveler skulle bäras, och precis som sin bror hade hon ett bra sinne för stil", säger Batista. "Hennes arbete föregick hennes tid."
Det är nästan omöjligt nu att hitta en juvel tillverkad av René Boivins hus medan René Boivin levde. Samtidigt som han hjälpte sin fru att lägga grunden för verksamheten och dess designestetik skapades det samlarmärke vi känner idag av Jeanne Boivin och de designers hon anställde, först Suzanne Belperron och sedan Juliette Moutard. Tillsammans skapade de det distinkta utseende som huset blev känt för:djärva, färgglada juveler som gick bortom Decos hårda geometri.
Läs mer om Jeanne Boivin.
Jeanne Toussaint, 1920 (foto Adolph de Meyer) Jeanne Toussaint påverkade smyckesdesignen dramatiskt under sina decennier som chef för Cartiers avdelning för lyxsmycken, som hon tog över 1933. Under hennes ledning i slutet av 1930-talet började Cartier gå bort från abstrakt deco-design och till figurativt arbete som en serie indiska dambroscher i svart lack och amerikanska P-broscher.
Hon är också ansvarig för Cartiers nyckfulla fåglar. Mest känd är fågeln i bur som Cartier introducerade 1940, en symbol för motstånd mot den nazistiska ockupationen, och versionen som dök upp i Cartiers fönster dagar efter att Paris befriades:fågeln redo för flykt, burdörren öppen.
"Hon kände att smycken behövde baseras på glädje", säger smyckeshandlaren Dianne Lewis-Batista. "Vilket bättre ämne än fåglar?" Exotiska papegojor och flamingos var Toussaints starka sida, liksom pantrar – en bild som Cartier är känd för än i dag.
Med smeknamnet "pantern" identifierade Toussaint sig uppenbarligen med detta eleganta rovdjur. Hennes lägenhet var fylld av deras skinn och hon bar panterrockar. Panterjuvelerna slog igenom med andra viljestarka kvinnor på den tiden. Bland dess bärare:Barbara Hutton, hertiginnan av Agha Khan och hertiginnan av Windsor (som ägde båda delarna på bilden ovan).
Läs mer om Jeanne Toussaint.
Suzanne Belperron (Foto:© Archives Olivier Baroin) Suzanne Belperron finslipade sina designkunskaper under 14 år på House of René Boivin. 1933, eftersom hon ville ha beröm för sina egna mönster, lämnade hon för att arbeta för ädelstenshandlaren Bernard Herz, som hade levererat Boivin sedan 1912. Han gav Belperron fria händer att designa allt hon ville under sitt eget namn. Tillsammans förvandlade de hans företag och hennes rykte som designer till ett smyckesmärke med samma namn.
När Belperron lämnade Boivin tog hon inte bara sin designerfarenhet, säger vissa, utan några av designerna också. Audrey Friedman, som samlar och säljer Belperrons smycken genom sitt Primavera Gallery på Manhattan, har sett nästan identiska föremål, ibland med Boivins märken, ibland med Belperrons. Detta kan delvis bero på att Juliette Moutard, som tog sin plats som huvuddesigner, tog ett par år på sig att utveckla sin egen stil.
Moutard etablerade sin egen designestetik hos René Boivin under decennierna som följde. Och det gjorde Belperron och byggde upp ett internationellt rykte som fortsätter att växa.
Armband (vänster) av ametister och smaragder, ca. 1937, av René Boivin, och två av Suzanne Belperron av ametister, turmaliner och kunzit (mitten) och turmaliner, smaragder och peridot (Christies bilder) 
Halsband av vitguld, platina, spinell och diamant av Suzanne Belperron såldes för 181 250 USD 1:00 i Sotheby 2:e december Belperrons signaturpjäser har ovanligt ädelstensmaterial, ofta skurna i au cabochon eller ristade i flytande former, upphöjda till höga smycken av ädelmetaller, ibland diamanter. "Hennes talang i att designa smycken låg i att kombinera och manipulera material", säger Friedman. "Hon var partisk med icke-dyrbart material - agat, bergkristall, kalcedon och citrin - och gjorde det till fokus för ett stycke. Hennes arbete var mycket personligt och mycket dramatiskt."
Manschettarmband av Suzanne Belperron, ca. 1936, av snidade ametistblad, rubiner och diamanter i 18k guld och platina. Såld med matchande halsband på Christie's 2019 för 507 000 USD (foto Cathleen McCarthy) Efter ockupationen av Paris arresterades Herz, en jude, och fördes till Auschwitz, där han dog 1943. När hans son Jean återvände till Paris två år senare, efter att ha överlevt som krigsfånge, tog Belperron honom som partner. Tillsammans drev de Herz-Belperron fram till 1974.
Efterfrågan på Belperron-juveler fortsätter att växa. Under de senaste två decennierna har det verkligen tagit fart. Suzanne Belperron är nu en av 1900-talets mest flitigt samlade formgivare.
Läs mer om Suzanne Belperron.
Elsa Schiaparelli stängde sin butik i Paris för nästan sex decennier sedan, men hennes nyckfulla skapelser ser lika banbrytande ut som alltid. Lady Gaga kunde bära sin skohatt på scenen och ingen kunde slå ett öga.
Schiaparelli, eller "Schiap", som hon kallades (uttalas Skap), var långt före sin tid. Hennes skohattar, designade efter en skiss av Salvador Dalí, dök upp första gången i hennes kollektion 1937/1938. Schiaparelli delade Dalis sinne för humor och kärlek till visuella ordvitsar, såväl som hans önskan att chocka och underhålla. Han tillhandahöll ordlekar och ikoniska bilder; hon lyckades göra dem absurda och chica på samma gång. Strax efter dessa samarbeten började Dalí på allvar designa sina egna smycken.
Schiaparelli arbetade mellan 1920 och 1954, men hennes storhetstid var årtiondet före kriget. Hon hämtade från alla populära konströrelser på sin samtid, inklusive modernism, futurism, kubism, deco, afrikansk konst, men drogs särskilt till surrealismen. Tillsammans med Dalí samarbetade Jean Cocteau och Albert Giacometti om design med henne. Cecil Beaton och Man Ray fotograferade dem. Alla ansåg henne vara en vän och jämställd.
Från Schiaparellis Metamorphosis-samling, 1938, med i Schiparelli retrospektiv invigning på Musée des2 i juli, Foto Mcorat des Arts 2 (Mcorat 2) När Elsa Schiaparelli lanserade sitt första modevur 1927 – tröjor med trompe l’oeil-rosett – hade hon ingen utbildning i kläddesign. Två år senare utrustade hon världens mest glamorösa kvinnor och rockade modekonventioner med sina djärva färger och kroppsmedvetna design. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich och Katharine Hepburn bar sina figursydda kostymer, manliga byxor och kaxiga hattar.
Elsa Schiaparelli skapade också några minnesvärda kostymsmycken och accessoarer, inklusive halsbandet (ovan) som fick bäraren att se ut att ha en parad av insekter som kröp runt hennes hals. Hennes smyckesdesign började förmodligen med de fästen hon designade för sina kläder från trä, porslin, celluloid, glas, kristall, bärnsten, vit jade, tätningsvax – knappar formade som skosnören, sniglar, toppar, hänglås, muttrar och bultar, kaffebönor, klubbor, jordnötter, skedar, frukter.
"Hon är ansvarig för känslan av spontan ungdom som har smugit sig in i allt", ropade Vogue 1935.
Läs mer om Elsa Schiaparelli.
Marianne Ostier var huvuddesignern bakom Ostier, Inc., ett smyckesföretag som hon drev med sin man Oliver Ostier i mitten av århundradet. En vinnare av många prestigefyllda diamantdesignpriser, Ostier var känd för intrikat slumpmässiga monteringar och organiska texturer som speglar hennes utbildning som konstnär.
Marianne Ostier studerade vid Wiens konst- och hantverksakademi och var praktiserande målare och skulptör när hon träffade sin man, då känd som Otto Oesterreicher, en tredje generationens hovjuvelerare i Österrike. De kom till USA 1938, efter den nazistiska annekteringen av Österrike, och startade en smyckesverksamhet under sitt nya namn.
Flera Ostier-juveler sålde långt över uppskattningarna på Sotheby's förra året, inklusive en diamantdiadem som inbringade 225 000 $, gjord för europeiska kungligheter före kriget. Det visar upp både Ostiers flytande sätt med diamanter och platina, och de kungliga kopplingarna Ostiers hade när de landade på statens sida. En annan diamant- och platinapjäs i den auktionen visar designern 17 år senare, på hennes mid-century moderna topp.
"Galaxy" brosch av diamanter (40,26 karat) i platina av Marianne Ostier, ca. 1955 
Armband av Marianne Ostier, ca. 1960-talet, av odlade pärlor och diamanter, $24 975 på 1stdibs
Det var på amerikanska stränder som Ostier utvecklade en helt annan signaturstil, som involverade mindre symmetrisk, mer organisk form – och en mästare av guldtonliknande form. Hennes dramatiska "Voodoo"-halsband av 18 karat guldfransar och cabochonsmaragder, varvat med diamantinsatt platina, ser ut som mycket lyxigt tång och måste ha varit ett riktigt partystopp när det debuterade.
Läs mer om Marianne Ostier.
Margaret De Patta var pionjär inom så många aspekter av studiokonstsmycken som vi ser nu att många smycken hon designade före andra världskriget ser ut som om de kunde ha gjorts visionära av en konstnär igår. Om du inte hade turen att se den senaste retrospektiven av hennes arbete på Museum of Arts &Design i NYC, kan du fortfarande få den inbundna katalogen publicerad i oktober förra året.
Space Light Structure:The Jewelry of Margaret De Patta var ett av mina favoritförvärv det året. När studiosmycken går, verkar mycket av De Pattas verk så samtida att det är svårt att komma ihåg hur galet det måste ha sett ut för smyckesvärlden när hon gjorde det. "Hennes smycken var väldigt fräscha, väldigt avantgardistiska, väldigt chockerande för vissa människor", säger Julie Muniz, en av författarna och medkuratorerna till utställningen.
Hänge av guld och rutilerad kvarts, 1948, av Margaret De Patta (samling Oakland Museum of California/foto M Lee Father De Patta studerade målning vid Art Students League i 1920-talets NYC när hon engagerade sig i smyckesdesign, och du kan tydligt se inflytandet från tidig modern konst i hennes smycken. Hon gjorde några fascinerande kinetiska bitar, med delar som svänger runt för att förvandla designen, och inkorporerade vanliga strandstenar sex decennier innan det skulle bli trendigt bland konstjuvelerare.
Men de mest förtrollande juvelerna hon gjorde - eller "bärbar skulptur" som hon kallade det - var "optikerna" hon designade med Bay Area lapidary Francis Sperison. De Patta gjorde fantastiska saker med rutilerad kvarts, designade metallramar för att spegla vinklarna på rutilationerna och använde själva kvartsen för att skapa optisk distorsion.
Läs mer om Margaret De Patta.
Det finns många fler kvinnor som banat väg för smyckesvärlden som vi känner den. Jag ska försöka komma till dem när de dyker upp på auktion och utställning. Jag tror att kvinnor kommer att fortsätta spela en stor roll i smyckesdesign. Jag har intervjuat många duktiga manliga designers och designers genom åren, men jag träffar många fler kvinnor nu för tiden.
Det senaste året har jag sett en ny generation återaktivera en gammal kamp för lika rättigheter, som kulminerade i att miljoner gick ut på gatan runt om i världen för Women's March i januari. (Jag marscherade i Washington DC, med män och kvinnor.) Vi har kommit långt men det blir tydligt att vi har en väg att gå. I dag ska vi fira de modiga och begåvade visionärerna som har tagit oss så långt.
Copyright ©Cathleen McCarthy. Alla rättigheter reserverade.
Kvinnliga smyckesdesigners
Smycken av Suzanne Belperron:My Style is My Signature
Space Light Structure:The Jewelry of Margaret de Patta
Chockerande:Elsa Schiaparellis surrealistiska värld
The Cartiers:The Untold Story of the Family Behind the Jewelry Empire
Den här sidan innehåller affiliate-länkar