Última atualização:18 de julho de 2025
Se você acha que construir uma carreira como designer de joias é um desafio hoje, imagine como era há 50 anos, quando o movimento feminista estava pegando fogo – ou há um século, quando as sufragistas lutavam nas ruas pelo nosso direito de voto.
No entanto, as joias são uma forma de arte pela qual as mulheres sempre tiveram uma afinidade natural. Afinal, somos os principais usuários, e as joias costumam estar intimamente ligadas à moda. Projetar e fabricar joias é um ofício que requer um olhar atento e pouco músculo. Isso pode ser feito silenciosamente, a portas fechadas. Na maioria das vezes, ao longo da história, um homem ficava naquelas portas e dirigia o negócio.
Provavelmente há muito que não sabemos (e talvez nunca) sobre a história das mulheres joalheiras. Mas sabemos que as mulheres estavam a influenciar o que outras mulheres usavam como a sua maior glória, pelo menos já em meados do século XIX.
Aqui está uma visão geral da minha longa série “Mulheres que pavimentaram o caminho”, para que você possa analisar aquele período crucial em que as joalheiras emergiram das sombras para moldar o design de joias e a indústria joalheira como a conhecemos.
Clique no final de cada cápsula para ler meu perfil original, na íntegra, com mais fotos bonitas. Charlotte Isabella Newman (1836-1920)
Ela abriu o caminho para as mulheres que abriram o caminho. Eles a chamavam de Sra. Newman.
Iniciando sua carreira na década de 1860, quando os negócios e a fabricação de joias eram exclusivamente masculinos, Charlotte Newman produzia joias muito procuradas e, por fim, administrou sua própria loja em Savile Row. Mesmo no auge da carreira, com medalhas no currículo e homens a seu serviço, ela respondia ao nome do marido e carimbava suas joias com “Sra. N.”
Hoje em dia, essa marca tornou-se altamente colecionável e é provável que se torne ainda mais colecionável.
Pingente de ouro, esmalte e ametista desenhado por Sra. Philip (Charlotte) Newman, 1884-1890 (Coleção do Museu Newark. Foto John A. Faier/Richard E. Driehaus Museum)
Na época em que este pingente foi feito, a Sra. Newman já produzia joias há pelo menos 25 anos e administrava sua própria loja há seis. Os historiadores da joalheria consideram Charlotte Isabella Newman a primeira joalheira feminina importante. Ativa em Londres durante as últimas quatro décadas do século XIX, ela começou a trabalhar para o joalheiro John Brogden.
Charlotte Newman aprendeu seu ofício na Escola de Arte do Governo em South Kensington antes de se tornar assistente de Brogden, que herdou uma empresa familiar fundada em 1796. Alguns acreditam que a Sra. Newman pode ter produzido joias antes de sua própria marca começar a aparecer. Quando esta pulseira de ametista com a marca de Brogden da década de 1870 foi colocada à venda na Sotheby’s de Londres em 2007, a descrição do catálogo sugeria que a Sra.
Pulseira de John Brogden, década de 1870, vendida na Sotheby's de Londres, provavelmente produzida por minha Charlotte Newman
Ourives habilidoso, Newman tinha talento para produzir joias requintadas em uma variedade de estilos antigos, do bizantino ao renascentista, de uma forma que se adequasse aos gostos atuais. Dada a fome por jóias de renascimento arqueológico na Inglaterra vitoriana, isso fez dela um bem valioso.
Ela expôs com Brogden em Paris em 1867 e em 1878, quando ele foi premiado com a Legião de Honra, e até recebeu uma medalha de honra como colaboradora.
Pingente de Charlotte Newman, em ouro e esmalte, c. 1890 (vistas frontal e traseira)
Após a morte de Brogden em 1884, ela abriu seu próprio negócio, mantendo muitos dos artesãos que trabalharam para ele. Seu cartão de visita dizia:“Sra. Newman, ourives e joalheiro, 10 Savile Row, Londres”.
“Ela tinha uma loja e tinha homens trabalhando para ela”, diz Elyse Zorn Karlin, co-curadora da Maker &Muse. “Isso era bastante incomum na época.”
Leia mais sobre a Sra. Newman.
Jeanne Poiret Boivin (1871-1959)
Jeanne Boivin em seu escritório na Avenue de l’Opéra, Paris, década de 1930
Quando a joalheria parisiense de René Boivin se tornou famosa, René já havia partido há muito tempo. Era sua viúva Jeanne Poiret Boivin quem comandava o show.
Jeanne Boivin optou por empregar designers mulheres e, no processo, desenvolveu um estilo forte, mas feminino, sob o nome Boivin – e colocou algumas outras mulheres no mapa no processo.
Ela era a mulher por trás do homem cujo nome está em tantas joias que ele nunca viu.
Jeanne Poiret Boivin viveu à sombra de dois proeminentes designers parisienses, seu irmão Paul Poiret, um costureiro, e seu marido René Boivin. Jeanne tinha um excelente olho e provou ser uma empresária habilidosa, administrando a empresa sozinha durante as quatro décadas mais famosas.
René Boivin, um ourives habilidoso, fundou a empresa em 1891, mas o seu casamento com Jeanne Poiret, dois anos depois, trouxe ligações ao mundo da moda através do irmão dela, Paul Poiret, o costureiro mais famoso de Paris nos anos que antecederam a Primeira Guerra Mundial.
Você pode ver uma estética compartilhada nas joias produzidas pela empresa de sua irmã, incluindo um gosto por temas, cores e materiais exóticos, uma paixão pelo Oriente e pelo Oriente Médio.
Broche articulado “Starfish” de René Boivin, c. 1940, de rubis cabochão e pavé de ametista em ouro 18k
Clipes de esmeralda, safira sintética, diamante, ouro e platina de René Boivin, 1940
Broche de castanha de René Boivin com pavé de peridotos e citrinos vendido na Sotheby's em 2019 (foto Cathleen McCarthy)
“A Casa de René Boivin é um nome um tanto impróprio, na minha opinião”, diz a especialista em joias Dianne Lewis Batista. "René Boivin morreu em 1917, aos 53 anos, no auge de sua carreira. Foi sua esposa quem deve ser creditada com grande parte da incrível fama da empresa."
Tendo perdido o filho e o marido durante a guerra, Jeanne Boivin tinha duas filhas pequenas para sustentar. Ela não teve escolha a não ser assumir o negócio, empregando outras pessoas para desenhar seus projetos. “Ela sabia como as joias deveriam ser usadas e, assim como o irmão, tinha um bom senso de estilo”, diz Batista. “O trabalho dela é anterior ao seu tempo.”
É quase impossível agora encontrar uma joia feita pela casa de René Boivin enquanto René Boivin viveu. Enquanto ele ajudava a sua esposa a estabelecer as bases para o negócio e a sua estética de design, a marca colecionável que conhecemos hoje foi criada por Jeanne Boivin e pelos designers que ela contratou, primeiro Suzanne Belperron e depois Juliette Moutard. Juntos, eles criaram o visual distinto pelo qual a casa se tornou famosa:joias ousadas e coloridas que iam além da geometria severa do Deco.
Leia mais sobre Jeanne Boivin.
Jeanne Toussaint (1887–1978)
Jeanne Toussaint, 1920 (foto Adolph de Meyer)
Jeanne Toussaint teve um impacto dramático no design de joias durante suas décadas como diretora do departamento de joias de luxo da Cartier, que assumiu em 1933. Sob sua orientação, no final da década de 1930, Cartier começou a se afastar dos designs Deco abstratos e se dedicar a trabalhos figurativos, como uma série de joaninhas em laca preta e broches com cabeças de índios americanos.
Ela também é responsável pelos pássaros caprichosos de Cartier. O mais famoso é o pássaro engaiolado que Cartier introduziu em 1940, um símbolo de resistência contra a ocupação nazista, e a versão que apareceu nas vitrines de Cartier dias após a libertação de Paris:o pássaro pronto para voar, com a porta da gaiola aberta.
“Ela achava que as joias precisavam ser baseadas na alegria”, diz a joalheria Dianne Lewis-Batista. “Que assunto melhor do que pássaros?” Papagaios e flamingos exóticos eram o forte de Toussaint, assim como as panteras – uma imagem pela qual Cartier é conhecido até hoje.
Apelidado de “a pantera”, Toussaint obviamente se identificou com esse predador elegante. Seu apartamento estava cheio de peles e ela usava casacos de pantera. As joias de pantera atingiram outras mulheres obstinadas da época. Entre seus usuários:Barbara Hutton, a Duquesa de Agha Khan e a Duquesa de Windsor (que possuía ambas as peças na foto acima).
Leia mais sobre Jeanne Toussaint.
Suzanne Belperron (1887-1983)
Suzanne Belperron (Foto:© Arquivos Olivier Baroin)
Suzanne Belperron aprimorou suas habilidades de design durante 14 anos na Casa de René Boivin. Em 1933, querendo crédito por seus próprios projetos, ela saiu para trabalhar para o negociante de pedras preciosas Bernard Herz, que fornecia Boivin desde 1912. Ele deu a Belperron liberdade para projetar o que quisesse em seu próprio nome. Juntos, eles transformaram a empresa e a reputação dela como designer em uma marca de joias de mesmo nome.
Quando Belperron deixou a Boivin, ela aproveitou não apenas sua experiência em design, dizem alguns, mas também alguns dos designs. Audrey Friedman, que coleciona e vende joias de Belperron através de sua Primavera Gallery em Manhattan, viu peças quase idênticas, às vezes com as marcas de Boivin, às vezes com as de Belperron. Isso pode ocorrer em parte porque Juliette Moutard, que assumiu seu lugar como designer-chefe, levou alguns anos para desenvolver seu próprio estilo.
Moutard estabeleceu sua própria estética de design em René Boivin nas décadas seguintes. E o mesmo fez Belperron, construindo uma reputação internacional que continua a crescer.
Pulseira (esquerda) de ametistas e esmeraldas, c. 1937, de René Boivin, e dois de Suzanne Belperron de ametistas, turmalinas e kunzita (centro) e turmalinas, esmeraldas e peridoto (Christie’s Images)
Colar de ouro branco, platina, espinélio e diamante de Suzanne Belperron vendido por US$ 181.250 na Sotheby’s NY em dezembro de 2016
As peças exclusivas da Belperron apresentam materiais preciosos incomuns, muitas vezes cortados em cabochão ou esculpidos em formas fluidas, elevados a metais preciosos de alta joalheria, às vezes diamantes. “Seu talento no design de joias estava na combinação e manipulação de materiais”, diz Friedman. "Ela gostava de materiais não preciosos - ágata, cristal de rocha, calcedônia e citrino - e fez deles o foco de uma peça. Seu trabalho era muito pessoal e muito dramático."
Pulseira de Suzanne Belperron, c. 1936, de folhas esculpidas em ametista, rubis e diamantes em ouro 18k e platina. Vendido com colar combinando na Christie’s em 2019 por US$ 507.000 (foto Cathleen McCarthy)
Após a ocupação de Paris, Herz, um judeu, foi preso e levado para Auschwitz, onde morreu em 1943. Quando o seu filho Jean regressou a Paris dois anos depois, tendo sobrevivido como prisioneiro de guerra, Belperron o aceitou como parceiro. Juntos, eles dirigiram a Herz-Belperron até 1974.
A demanda pelas joias Belperron continua a crescer. Nas últimas duas décadas, realmente decolou. Suzanne Belperron é hoje uma das designers mais colecionadas do século XX.
Leia mais sobre Suzanne Belperron.
Elsa Schiaparelli (1890-1973)
Elsa Schiaparelli fechou sua loja em Paris há quase seis décadas, mas suas criações extravagantes parecem mais inovadoras do que nunca. Lady Gaga poderia usar seu chapéu no palco e ninguém piscaria.
Schiaparelli, ou “Schiap”, como era conhecida (pronuncia-se Skap), estava muito à frente de seu tempo. Seus chapéus, desenhados a partir de um esboço de Salvador Dalí, apareceram pela primeira vez em sua coleção de 1937/1938. Schiaparelli compartilhava o senso de humor e o amor de Dali por trocadilhos visuais, bem como seu desejo de chocar e entreter. Ele forneceu trocadilhos e imagens icônicas; ela conseguiu torná-los absurdos e chiques ao mesmo tempo. Logo após essas colaborações, Dalí começou a projetar seriamente suas próprias joias.
Schiaparelli trabalhou entre 1920 e 1954, mas seu apogeu foi na década anterior à guerra. Ela inspirou-se em todos os movimentos artísticos populares da sua época, incluindo o modernismo, o futurismo, o cubismo, o déco e a arte africana, mas foi particularmente atraída pelo surrealismo. Junto com Dalí, Jean Cocteau e Albert Giacometti colaboraram em designs com ela. Cecil Beaton e Man Ray os fotografaram. Todos a consideravam uma amiga e igual.
Da coleção Metamorfose de Schiaparelli, 1938, apresentada na abertura da retrospectiva Schiparelli no Musée des Arts Décoratifs em julho de 2022 (foto MAD)
Quando Elsa Schiaparelli lançou sua primeira moda em 1927 – suéteres com laços trompe l’oeil – ela não tinha formação em design de roupas. Dois anos depois, ela estava vestindo as mulheres mais glamorosas do mundo e arrasando nas convenções de moda com suas cores ousadas e designs conscientes do corpo. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich e Katharine Hepburn usaram ternos justos, calças masculinas e chapéus arrogantes.
Elsa Schiaparelli também criou algumas bijuterias e acessórios memoráveis, incluindo o colar (acima) que fazia quem a usava parecer ter um desfile de insetos rastejando em sua garganta. Seus designs de joias provavelmente começaram com os fechos que ela desenhou para suas roupas em madeira, porcelana, celulóide, vidro, cristal, âmbar, jade branco, lacre - botões em formato de cadarços, caracóis, tops, cadeados, porcas e parafusos, grãos de café, pirulitos, amendoins, colheres, frutas e vegetais.
“Ela é responsável pelo sentimento de juventude espontânea que se insinua em tudo”, elogiou a Vogue em 1935.
Leia mais sobre Elsa Schiaparelli.
Marianne Ostier (1902-1976)
Marianne Ostier foi a principal designer por trás da Ostier, Inc., uma joalheria que ela dirigia com o marido, Oliver Ostier, em Manhattan de meados do século. Vencedora de muitos prestigiosos prêmios de design de diamantes, Ostier era conhecida por montagens intrincadamente aleatórias e texturas orgânicas que refletem sua formação como artista.
Marianne Ostier estudou na Academia de Artes e Ofícios de Viena e era pintora e escultora quando conheceu o marido, então conhecido como Otto Oesterreicher, um joalheiro da corte de terceira geração na Áustria. Eles vieram para os EUA em 1938, após a anexação nazista da Áustria, e lançaram um negócio de joias com seu novo nome.
Várias joias Ostier foram vendidas bem acima das estimativas na Sotheby’s no ano passado, incluindo uma tiara de diamantes que foi vendida por US$ 225 mil, feita para a realeza europeia antes da guerra. Ele mostra o jeito fluido de Ostier com diamantes e platina e as conexões reais que os Ostiers tiveram quando desembarcaram no estado. Outra peça de diamante e platina naquele leilão mostra a designer 17 anos depois, no auge da modernidade de meados do século.
Broche “Galaxy” de diamantes (40,26 quilates) em platina por Marianne Ostier, c. 1955
Pulseira de Marianne Ostier, c. Década de 1960, de pérolas e diamantes cultivados, US$ 24.975 no 1stdibs
Foi nas costas americanas que Ostier desenvolveu um estilo de assinatura muito diferente, envolvendo formas menos simétricas e mais orgânicas – e um domínio igualmente surpreendente do ouro. Seu dramático colar “Voodoo” com franjas de ouro 18k e esmeraldas cabochão, intercaladas com platina cravejada de diamantes, parece uma alga marinha muito luxuosa e deve ter sido um grande atrativo para a festa quando estreou.
Leia mais sobre Marianne Ostier.
Margaret De Patta (1903-1964)
Margaret De Patta foi pioneira em tantos aspectos da joalheria de arte de estúdio que vemos agora que muitas peças que ela desenhou antes da Segunda Guerra Mundial parecem ter sido feitas ontem - por um visionário artístico. Se você não teve a sorte de ver a retrospectiva recente de seu trabalho no Museu de Artes e Design de Nova York, ainda poderá obter o catálogo de capa dura publicado em outubro passado.
Estrutura da luz espacial:as joias de Margaret De Patta foi uma das minhas aquisições favoritas naquele ano. No que diz respeito à joalheria de estúdio, grande parte do trabalho de De Patta parece tão contemporâneo que é difícil lembrar o quão louco deve ter parecido para o mundo da joalheria quando ela o estava fazendo. “Suas joias eram muito atuais, muito vanguardistas, muito chocantes para algumas pessoas”, diz Julie Muniz, uma das autoras e co-curadoras da exposição.
Pingente de ouro e quartzo rutilado, 1948, de Margaret De Patta (coleção Oakland Museum of California/foto M Lee Fatherree)
De Patta estava estudando pintura na Art Students League na década de 1920 em Nova York, quando se envolveu com design de joias, e você pode ver claramente a influência da arte moderna em suas joias. Ela fez algumas peças cinéticas fascinantes, com peças que giram para transformar o design, e incorporou seixos comuns de praia seis décadas antes, que se tornariam moda entre os joalheiros de arte.
Mas as joias mais sedutoras que ela fez – ou “escultura vestível”, como ela se referia – foram as “opticuts” que ela desenhou com o lapidário da Bay Area, Francis Sperison. De Patta fez coisas incríveis com quartzo rutilado, projetando molduras de metal para espelhar os ângulos das rutilações e usando o próprio quartzo para criar distorção óptica.
Leia mais sobre Margaret De Patta.
Há muito mais mulheres que abriram caminho para o mundo da joalheria como o conhecemos. Tentarei alcançá-los assim que surgirem em leilões e exposições. Acho que as mulheres continuarão a desempenhar um papel importante no design de joias. Entrevistei muitos designers e criadores talentosos ao longo dos anos, mas estou conhecendo muito mais mulheres atualmente.
No ano passado, vi uma nova geração reativar uma antiga luta pela igualdade de direitos, culminando com milhões de pessoas saindo às ruas em todo o mundo para a Marcha das Mulheres em janeiro. (Marchei em Washington DC, com homens e mulheres.) Percorremos um longo caminho, mas está a ficar claro que temos um longo caminho a percorrer. Hoje, vamos celebrar os corajosos e talentosos visionários que nos trouxeram até aqui.
Direitos autorais ©Cathleen McCarthy. Todos os direitos reservados. Livros recomendados
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