최종 업데이트:2025년 7월 18일
오늘날 주얼리 디자이너로서 경력을 쌓는 것이 어렵다고 생각하신다면, 여성 운동이 막 불타오르던 50년 전, 또는 100년 전 참정권 운동가들이 투표권을 위해 거리에서 싸우던 시절을 상상해 보세요.
하지만 주얼리는 여성들이 항상 자연스럽게 좋아하는 예술 형태입니다. 결국 우리는 주요 착용자이고 주얼리는 종종 패션과 밀접하게 연관되어 있습니다. 주얼리를 디자인하고 제작하는 것은 날카로운 눈과 별다른 근육이 필요하지 않은 기술입니다. 닫힌 문 뒤에서 조용히 할 수 있습니다. 역사를 통틀어 한 남자가 그 문 앞에 서서 사업을 운영하는 경우가 많았습니다.
아마도 여성 주얼리의 역사에 대해 우리가 모르는(그리고 결코 알지 못할 수도 있는) 것이 많을 것입니다. 그러나 우리는 적어도 19세기 중반까지만 해도 여성들이 다른 여성들이 최고의 영광으로 입었던 옷에 영향을 미쳤다는 것을 알고 있습니다.
다음은 저의 장기 시리즈인 '길을 닦은 여성들'의 개요입니다. 여성 보석상들이 어둠 속에서 등장하여 우리가 알고 있는 보석 디자인과 보석 산업을 형성했던 중추적인 시기를 살펴볼 수 있습니다.
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그녀는 길을 닦은 여성들을 위해 길을 닦았습니다. 그들은 그녀를 뉴먼 부인이라고 불렀습니다.
사업과 보석 제조가 남성 전용이었던 1860년대에 경력을 시작한 Charlotte Newman은 인기 있는 보석을 생산했고 궁극적으로 Savile Row에서 자신의 상점을 운영했습니다. 그녀는 메달을 휘두르고 고용인을 고용한 전성기에도 남편의 이름에 응답하고 보석에 "Mrs N"이라는 도장을 찍었습니다.
요즘에는 그 마크의 수집 가치가 높아졌고, 앞으로도 더욱 그럴 것 같습니다.
Philip (Charlotte) Newman 여사가 디자인한 금, 에나멜, 자수정 펜던트, 1884-1890(뉴어크 박물관 소장. 사진 John A. Faier/Richard E. Driehaus 박물관) 이 펜던트가 만들어질 때까지 Newman 부인은 최소 25년 동안 보석을 생산해 왔으며 6년 동안 자신의 가게를 운영해 왔습니다. 보석 역사가들은 Charlotte Isabella Newman을 최초의 중요한 여성 스튜디오 보석상으로 꼽습니다. 19세기 마지막 40년 동안 런던에서 활동한 그녀는 보석상인 John Brogden에서 일하기 시작했습니다.
Charlotte Newman은 사우스 켄싱턴에 있는 공립 미술 학교에서 기술을 배운 후 1796년에 설립된 가족 사업을 물려받은 Brogden의 조수가 되었습니다. 어떤 사람들은 Newman 부인이 자신의 브랜드가 나타나기 전에 보석을 생산했을 수도 있다고 믿습니다. 1870년대 브로그덴의 마크가 새겨진 이 자수정 팔찌가 2007년 소더비 런던에서 판매되었을 때 카탈로그 설명에 따르면 뉴먼 부인이 이 팔찌를 손에 넣었을 가능성이 있습니다.
1870년대 John Brogden의 커프 팔찌, Sotheby's London에서 판매됨, 아마도 내 Charlotte Newman이 탄생했을 것임 숙련된 금세공인인 뉴먼은 비잔틴 양식에서 르네상스 부흥 양식에 이르기까지 다양한 고대 스타일의 정교한 보석을 현재의 취향에 맞는 방식으로 생산하는 재주를 갖고 있었습니다. 빅토리아 시대 영국의 고고학 부흥 보석에 대한 갈망을 고려하면 그녀는 귀중한 자산이 되었습니다.
그녀는 1867년 파리에서 브로그덴과 함께 전시했고, 1878년에는 그가 레지옹 도뇌르 훈장을 받았고, 협력자로서 자신도 명예 훈장을 받기도 했습니다.
금과 에나멜로 만든 Charlotte Newman의 펜던트, c. 1890년(앞면과 뒷면) 1884년 Brogden이 사망한 후 그녀는 그를 위해 일했던 많은 장인들을 유지하면서 자신의 사업을 시작했습니다. 그녀의 명함에는 "Mrs. Newman, Goldsmith and Court Jeweller, 10 Savile Row, London"이라고 적혀 있습니다.
Maker &Muse의 공동 큐레이터인 Elyse Zorn Karlin은 "그녀는 상점을 운영했고 남자들이 그녀를 위해 일하게 했습니다"라고 말합니다. “당시에는 정말 이례적인 일이었습니다.”
자세히 알아보기 뉴먼 부인에 대해.
1930년대 파리 오페라 거리에 있는 사무실에 있는 Jeanne Boivin 르네 부아뱅(René Boivin)의 파리 주얼리 하우스가 유명해졌을 때, 르네는 세상을 떠난 지 오래되었습니다. 쇼를 진행한 사람은 그의 미망인 Jeanne Poiret Boivin이었습니다.
Jeanne Boivin은 여성 디자이너를 고용하기로 결정했고 그 과정에서 Boivin이라는 이름으로 강렬하면서도 여성스러운 시그니처 스타일을 개발했으며 그 과정에서 다른 몇몇 여성들도 유명해졌습니다.
그녀는 그가 한 번도 본 적 없는 수많은 보석에 이름이 새겨진 남자 뒤에 있는 여자였습니다.
Jeanne Poiret Boivin은 두 명의 저명한 파리 디자이너, 즉 그녀의 오빠인 디자이너 Paul Poiret와 남편 René Boivin의 그늘에서 살았습니다. Jeanne은 뛰어난 안목을 갖고 있으며 가장 유명한 40년 동안 혼자서 회사를 관리하면서 숙련된 사업가임을 입증했습니다.
숙련된 금세공인 르네 부아뱅(René Boivin)은 1891년에 회사를 설립했지만, 2년 후 잔느 푸아레(Jeanne Poiret)와 결혼하여 제1차 세계 대전 이전 몇 년 동안 파리에서 가장 유명한 디자이너였던 그녀의 오빠 폴 푸아레(Paul Poiret)를 통해 패션계에 연결되었습니다.
이국적인 테마, 색상 및 소재에 대한 취향, 동양과 중동에 대한 열정 등 여동생의 회사가 생산한 주얼리에서 공유된 미학을 엿볼 수 있습니다.
René Boivin의 “불가사리” 연결 브로치, c. 1940년, 18K 골드 소재의 카보숑 루비와 파베 자수정 
René Boivin의 에메랄드, 합성 사파이어, 다이아몬드, 금, 백금 클립, 1940년 
2019년 소더비에서 판매된 파베 세트 페리도트와 황수정의 René Boivin의 밤나무 브로치(사진 Cathleen McCarthy) 보석 전문가 Dianne Lewis Batista는 “내 생각에는 René Boivin의 집은 약간 잘못된 이름입니다.”라고 말합니다. "르네 부뱅(René Boivin)은 1917년 53세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그의 경력이 정점에 달했던 때입니다. 회사의 엄청난 명성을 얻은 사람은 바로 그의 아내였습니다."
전쟁 중에 아들과 남편을 잃은 Jeanne Boivin에게는 부양해야 할 어린 두 딸이 있었습니다. 그녀는 사업을 이어받아 자신의 디자인을 그릴 다른 사람들을 고용하는 것 외에는 선택의 여지가 없었습니다. "그녀는 보석을 어떻게 착용해야 하는지 알고 있었고, 그녀의 오빠처럼 스타일에 대한 감각도 좋았습니다."라고 Batista는 말합니다. “그녀의 작업은 시대보다 앞서 있었습니다.”
르네 부아뱅이 살았던 시대에 르네 부아뱅이 만든 보석을 이제는 찾아보기가 거의 불가능해졌습니다. 그는 아내가 비즈니스와 디자인 미학의 기초를 다지는 데 도움을 주었지만 오늘날 우리가 알고 있는 수집 가능한 브랜드는 Jeanne Boivin과 그녀가 고용한 디자이너, 처음에는 Suzanne Belperron, 그 다음에는 Juliette Moutard에 의해 만들어졌습니다. 그들은 함께 데코의 거친 기하학을 뛰어넘는 대담하고 다채로운 보석으로 이 집의 독특한 모습을 만들어냈습니다.
자세히 알아보기 Jeanne Boivin에 대해.
Jeanne Toussaint, 1920 (사진 Adolph de Meyer) 잔느 투생(Jeanne Toussaint)은 1933년에 까르띠에의 럭셔리 주얼리 부문 이사로 재직하면서 수십 년 동안 주얼리 디자인에 극적인 영향을 미쳤습니다. 1930년대 후반 그녀의 지도 하에 까르띠에는 추상적인 데코 디자인에서 벗어나 일련의 검은 래커 무당벌레 및 아메리카 인디언 머리 브로치와 같은 비유적인 작품으로 전환하기 시작했습니다.
그녀는 까르띠에의 기발한 새를 담당하기도 합니다. 가장 유명한 것은 나치 점령에 대한 저항의 상징인 까르띠에가 1940년에 소개한 새장에 갇힌 새이며, 파리가 해방된 지 며칠 후 까르띠에의 창문에 나타난 버전:새장 문이 열린 채 날아오르려는 새입니다.
보석 상인 Dianne Lewis-Batista는 “그녀는 보석이 기쁨을 기반으로 해야 한다고 느꼈습니다.”라고 말했습니다. “새보다 더 좋은 주제가 어디 있겠습니까?” 이국적인 앵무새와 플라밍고는 표범과 마찬가지로 투생의 장점이었는데, 이는 까르띠에가 오늘날까지 잘 알려진 이미지입니다.
"표범"이라는 별명을 가진 투생은 분명히 이 매끈한 포식자를 식별했습니다. 그녀의 아파트는 그들의 가죽으로 가득 차 있었고 그녀는 팬더 코트를 입었습니다. 팬더 보석은 그 당시의 의지가 강한 다른 여성들의 심금을 울렸습니다. 착용자 중에는 바바라 허튼(Barbara Hutton), 아가 칸 공작부인(Duchess of Agha Khan), 윈저 공작부인(위 사진의 두 작품을 모두 소유한 사람)이 있습니다.
자세히 알아보기 잔느 투생(Jeanne Toussaint)에 대해.
Suzanne Belperron (사진:© Archives Olivier Baroin) Suzanne Belperron은 René Boivin의 집에서 14년 동안 디자인 기술을 연마했습니다. 1933년에 그녀는 자신의 디자인에 대한 공로를 인정받기 위해 1912년부터 Boivin에 제품을 공급해 온 보석상인 Bernard Herz 밑에서 일하기 위해 떠났습니다. 그는 Belperron에게 그녀가 자신의 이름으로 원하는 것은 무엇이든 디자인할 수 있는 자유로운 통제권을 주었습니다. 그들은 함께 그의 회사와 디자이너로서의 그녀의 명성을 자신의 이름을 딴 주얼리 브랜드로 탈바꿈시켰습니다.
Belperron은 Boivin을 떠났을 때 디자인 경험뿐만 아니라 디자인 중 일부도 가져갔다고 합니다. 맨해튼에 있는 프리마베라 갤러리를 통해 벨페론의 주얼리를 수집하고 판매하는 오드리 프리드먼(Audrey Friedman)은 거의 동일한 작품을 본 적이 있으며 때로는 Boivin의 마크가 있고 때로는 Belperron의 마크가 있습니다. 이는 수석 디자이너로 자리를 잡은 Juliette Moutard가 자신만의 스타일을 개발하는 데 몇 년이 걸렸기 때문일 수도 있습니다.
Moutard는 이후 수십 년 동안 René Boivin에서 자신만의 디자인 미학을 확립했습니다. 그리고 Belperron도 마찬가지였으며 계속해서 성장하는 국제적인 명성을 쌓았습니다.
자수정과 에메랄드로 만든 팔찌(왼쪽), c. 1937년, 르네 부뱅(René Boivin), 수잔 벨페론(Suzanne Belperron)의 자수정, 전기석, 쿤자이트(중앙), 전기석, 에메랄드, 페리도트 두 개(Christie's Images) 
Suzanne Belperron의 화이트 골드, 백금, 스피넬, 다이아몬드 목걸이는 2016년 12월 뉴욕 소더비에서 181,250달러에 판매되었습니다. 시그니처 Belperron 제품은 특이한 보석 소재를 특징으로 하며, 종종 오카보숑을 자르거나 유동적 형태로 조각하여 하이 주얼리 귀금속, 때로는 다이아몬드로 승격됩니다. “주얼리 디자인에 있어 그녀의 재능은 재료를 결합하고 조작하는 데 있었습니다.”라고 Friedman은 말합니다. "그녀는 마노, 수정, 옥수, 황수정 등 귀하지 않은 재료를 선호했으며 이를 작품의 초점으로 삼았습니다. 그녀의 작품은 매우 개인적이고 극적이었습니다."
Suzanne Belperron의 커프 팔찌, c. 1936년, 18K 골드와 플래티넘에 자수정 잎, 루비, 다이아몬드를 조각했습니다. 2019년 Christie's에서 어울리는 목걸이와 함께 $507,000에 판매됨(사진 Cathleen McCarthy) 파리 점령 후, 유대인인 헤르츠는 체포되어 아우슈비츠로 이송되어 1943년 그곳에서 사망했습니다. 그의 아들 장(Jean)이 2년 후 전쟁 포로로 살아남아 파리로 돌아왔을 때 벨페론(Belperron)은 그를 파트너로 데려갔습니다. 그들은 함께 1974년까지 Herz-Belperron을 운영했습니다.
Belperron 주얼리에 대한 수요는 계속 증가하고 있습니다. 지난 수십 년 동안 정말 성공했습니다. 수잔 벨페론(Suzanne Belperron)은 이제 20세기 가장 열성적으로 수집된 디자이너 중 한 명입니다.
자세히 알아보기 수잔 벨페론(Suzanne Belperron)에 대해.
Elsa Schiaparelli는 거의 60년 전에 파리에서 자신의 매장을 닫았지만 그녀의 기발한 창작물은 여전히 최첨단을 달리고 있습니다. 레이디 가가는 신발 모자를 쓰고 무대에 올랐고 누구도 눈을 깜빡이지 않았습니다.
Schiaparelli 또는 그녀가 알려진 "Schiap"(Skap으로 발음)은 그녀의 시대보다 훨씬 앞서 있었습니다. 살바도르 달리(Salvador Dalí)의 스케치를 바탕으로 디자인한 그녀의 신발 모자는 1937/1938 컬렉션에 처음 등장했습니다. Schiaparelli는 Dali의 유머 감각과 시각적 말장난에 대한 사랑, 그리고 충격과 즐거움을 주고자 하는 열망을 공유했습니다. 그는 말장난과 상징적인 이미지를 제공했습니다. 그녀는 그것들을 동시에 터무니없으면서도 시크하게 만들었습니다. 이러한 콜라보레이션 직후 달리는 자신만의 주얼리를 진지하게 디자인하기 시작했습니다.
스키아파렐리는 1920년부터 1954년 사이에 일했지만 그녀의 전성기는 전쟁 10년 전이었습니다. 그녀는 모더니즘, 미래주의, 입체파, 데코, 아프리카 예술을 포함하여 당시의 모든 대중 예술 운동에서 그림을 그렸지만 특히 초현실주의에 끌렸습니다. Dalí와 함께 Jean Cocteau와 Albert Giacometti는 그녀와 함께 디자인 작업을 공동 작업했습니다. Cecil Beaton과 Man Ray가 사진을 찍었습니다. 모두가 그녀를 친구이자 동등하다고 여겼습니다.
Schiaparelli의 Metamorphosis 컬렉션, 1938년, 2022년 7월 Musée des Arts Décoratifs에서 열린 Schiparelli 회고전 개막식에 등장(사진 MAD) Elsa Schiaparelli가 1927년 트롱프뢰유 리본이 달린 스웨터로 첫 번째 패션 열풍을 일으켰을 때 그녀는 의류 디자인에 대한 교육을 받은 적이 없었습니다. 2년 후, 그녀는 대담한 색상과 신체를 고려한 디자인으로 세계에서 가장 매력적인 여성들에게 의상을 입히고 획기적인 패션 컨벤션을 선보였습니다. 그레타 가르보, 조앤 크로포드, 마를렌 디트리히, 캐서린 헵번은 몸에 딱 맞는 양복과 매니시한 바지, 건방진 모자를 착용했습니다.
Elsa Schiaparelli는 착용자의 목 주위를 기어다니는 곤충 행렬처럼 보이게 만드는 목걸이(위)를 포함하여 기억에 남는 의상 주얼리와 액세서리도 만들었습니다. 그녀의 주얼리 디자인은 아마도 나무, 도자기, 셀룰로이드, 유리, 크리스탈, 호박색, 백옥, 밀봉 왁스 등 옷에 사용하도록 디자인한 잠금장치(신발끈 모양의 단추, 달팽이, 윗부분, 자물쇠, 너트 및 볼트, 커피콩, 막대사탕, 땅콩, 숟가락, 과일 및 야채)에서 시작되었을 것입니다.
1935년 보그(Vogue)는 “그녀는 모든 것에 스며드는 자연스러운 젊음의 느낌을 만들어내는 사람입니다.”라고 극찬했습니다.
자세히 알아보기 엘사 스키아파렐리에 대해.
Marianne Ostier는 20세기 중반 맨해튼에서 남편 Oliver Ostier와 함께 운영한 보석 회사인 Ostier, Inc.의 주요 디자이너였습니다. 많은 권위 있는 다이아몬드 디자인 상을 수상한 Ostier는 예술가로서의 훈련을 반영하는 복잡하고 무작위적인 마운팅과 유기적인 질감으로 유명했습니다.
Marianne Ostier는 Vienna Academy of Arts and Crafts에서 공부했으며 당시 오스트리아의 3대 궁정 보석상인 Otto Oesterreicher로 알려진 남편을 만났을 때 화가이자 조각가로 활동했습니다. 그들은 나치가 오스트리아를 합병한 후인 1938년에 미국으로 건너와 새로운 이름으로 보석 사업을 시작했습니다.
전쟁 전에 유럽 왕족을 위해 제작된 225,000달러에 판매된 다이아몬드 티아라를 포함하여 여러 Ostier 보석이 지난해 소더비에서 예상보다 훨씬 높은 가격으로 판매되었습니다. 다이아몬드와 플래티넘을 사용한 Ostier의 유연한 방식과 Ostiers가 미국에 상륙했을 때 가졌던 당당한 관계를 모두 보여줍니다. 해당 경매에 나온 또 다른 다이아몬드와 플래티넘 작품은 디자이너가 17년 후 미드센추리 모던의 정점에 있는 모습을 보여줍니다.
Marianne Ostier의 백금 다이아몬드(40.26캐럿) “갤럭시” 브로치, c. 1955년 
Marianne Ostier의 팔찌, c. 1960년대, 양식 진주와 다이아몬드, 1stdibs에서 $24,975
Ostier가 덜 대칭적이고 더 유기적인 형태와 마찬가지로 놀라운 금 기술을 포함하는 매우 다른 시그니처 스타일을 개발한 곳은 미국 해안이었습니다. 18k 골드 프린지와 카보숑 에메랄드에 다이아몬드가 세팅된 플래티늄이 어우러진 그녀의 드라마틱한 "부두" 목걸이는 매우 고급스러운 해초처럼 보이며 데뷔 당시 파티를 아주 즐겁게 했을 것 같습니다.
자세히 알아보기 마리안느 오스티어에 대해.
Margaret De Patta는 스튜디오 아트 주얼리의 다양한 측면을 개척했으며 현재 우리가 볼 수 있듯이 그녀가 제2차 세계 대전 전에 디자인한 많은 작품은 어제 예술 선구자가 만든 것처럼 보입니다. 뉴욕 예술 디자인 박물관에서 최근 그녀의 작품 회고전을 관람할 기회가 없었더라도 지난 10월에 출판된 하드커버 카탈로그를 구할 수 있습니다.
공간 조명 구조:마가렛 드 파타의 보석 그해 제가 가장 좋아하는 인수 중 하나였습니다. 스튜디오 주얼리가 진행되면서 De Patta의 작품 대부분은 너무 현대적이어서 그녀가 작품을 만들 때 주얼리 세계에서 얼마나 이상하게 보였을지 기억하기 어렵습니다. 전시회의 작가이자 공동 큐레이터 중 한 명인 Julie Muniz는 "그녀의 주얼리는 매우 신선하고 아방가르드하여 어떤 사람들에게는 매우 충격적이었습니다."라고 말했습니다.
금과 금홍석영 펜던트, 1948년, 마가렛 드 파타(캘리포니아 오클랜드 박물관 컬렉션/사진 M Lee Fatherree) De Patta는 1920년대 뉴욕의 Art Students League에서 그림을 공부하면서 주얼리 디자인에 참여하게 되었는데, 그녀의 주얼리에서 초기 현대 미술의 영향을 분명히 볼 수 있습니다. 그녀는 디자인을 변형하기 위해 회전하는 부품을 사용하여 매혹적인 키네틱 작품을 만들었고, 60년 전에 평범한 해변 자갈을 결합하여 예술 주얼리 세공인 사이에서 유행하게 되었습니다.
그러나 그녀가 만든 가장 매혹적인 보석, 즉 그녀가 언급한 "웨어러블 조각품"은 베이 지역 보석공인 Francis Sperison과 함께 디자인한 "안경"이었습니다. De Patta는 금홍석의 각도를 반영하도록 금속 프레임을 디자인하고 석영 자체를 사용하여 광학적 왜곡을 만드는 등 놀라운 일을 해냈습니다.
자세히 알아보기 마가렛 드 파타에 대해.
우리가 알고 있는 주얼리 세계의 길을 닦은 여성들은 훨씬 더 많습니다. 경매와 전시회에 등장하는 대로 다가가도록 노력하겠습니다. 저는 앞으로도 여성이 주얼리 디자인에서 중요한 역할을 할 것이라고 생각합니다. 지난 수년간 재능 있는 남성 디자이너와 제작자를 많이 인터뷰했지만 요즘에는 여성을 더 많이 만나고 있습니다.
작년에 저는 새로운 세대가 평등권을 위한 오랜 투쟁을 재가동하여 1월 여성 행진을 위해 전 세계 수백만 명이 거리로 나서는 모습을 지켜보았습니다. (저는 남성과 여성과 함께 워싱턴 DC에서 행진했습니다.) 우리는 먼 길을 왔지만 갈 길이 멀다는 것이 점점 분명해지고 있습니다. 오늘은 우리를 여기까지 이끈 용감하고 재능 있는 선지자들을 기념해 보겠습니다.
저작권 ©캐슬린 맥카시. 모든 권리 보유.
여성 주얼리 디자이너
Suzanne Belperron의 주얼리:나의 스타일은 나의 시그니처입니다
공간 조명 구조:마가렛 드 파타의 보석
충격적:엘사 스키아파렐리의 초현실적인 세계
까르띠에:보석 제국 뒤에 숨겨진 가족의 숨겨진 이야기
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