Dernière mise à jour : 18 juillet 2025
Si vous pensez que bâtir une carrière de créatrice de bijoux est un défi aujourd'hui, imaginez ce que c'était il y a 50 ans, lorsque le mouvement des femmes commençait à peine à prendre feu – ou il y a un siècle, lorsque les suffragettes se battaient dans les rues pour notre droit de vote.
Pourtant, les bijoux sont une forme d'art pour laquelle les femmes ont toujours eu une affinité naturelle. Après tout, nous en sommes les principaux porteurs, et les bijoux sont souvent étroitement liés à la mode. Concevoir et fabriquer des bijoux est un métier qui nécessite un œil aiguisé et peu de muscles. Cela peut se faire tranquillement, à huis clos. Le plus souvent, tout au long de l'histoire, un homme se tenait à ces portes et dirigeait l'entreprise.
Il y a probablement beaucoup de choses que nous ne savons pas (et ne saurons peut-être jamais) sur l’histoire des femmes joaillières. Mais nous savons que les femmes influençaient ce que les autres femmes portaient comme couronnement, au moins dès le milieu du 19e siècle.
Voici un aperçu de ma longue série "Les femmes qui ont ouvert la voie", afin que vous puissiez analyser cette période charnière au cours de laquelle les joaillières ont émergé de l'ombre pour façonner la conception de bijoux et l'industrie de la joaillerie telle que nous la connaissons.
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Elle a ouvert la voie aux femmes qui ont ouvert la voie. Ils l'appelaient Mme Newman.
Lançant sa carrière dans les années 1860, alors que le commerce et la fabrication de bijoux étaient réservés aux hommes, Charlotte Newman produisait des bijoux recherchés et, finalement, dirigea sa propre boutique à Savile Row. Même au sommet de sa carrière, avec des médailles à son actif et des hommes à son service, elle répondait au nom de son mari et estampillait ses bijoux « Mme N ».
De nos jours, cette marque est devenue un objet de collection très recherché, et le deviendra probablement encore plus.
Pendentif en or, émail et améthyste conçu par Mme Philip (Charlotte) Newman, 1884-1890 (Collection du Musée de Newark. Photo John A. Faier/Richard E. Driehaus Museum) Au moment où ce pendentif a été fabriqué, Mme Newman produisait des bijoux depuis au moins 25 ans et dirigeait sa propre boutique depuis six ans. Les historiens de la joaillerie attribuent à Charlotte Isabella Newman la première femme joaillière importante en studio. Active à Londres pendant les quatre dernières décennies du 19e siècle, elle a fait ses débuts en travaillant pour le joaillier John Brogden.
Charlotte Newman a appris son métier à la Government Art School de South Kensington avant de devenir assistante de Brogden, qui a hérité d'une entreprise familiale créée en 1796. Certains pensent que Mme Newman produisait peut-être des bijoux avant que sa propre marque ne commence à apparaître. Lorsque ce bracelet d'améthyste portant la marque de Brogden datant des années 1870 a été mis en vente chez Sotheby's Londres en 2007, la description du catalogue suggérait que Mme Newman pourrait y avoir contribué.
Bracelet manchette de John Brogden, années 1870, vendu chez Sotheby's Londres, probablement produit par ma Charlotte Newman Orfèvre qualifié, Newman avait le don de produire des bijoux exquis dans une gamme de styles anciens, du byzantin au néo-Renaissance, d'une manière qui convenait aux goûts actuels. Compte tenu de la soif de bijoux de style archéologique dans l'Angleterre victorienne, cela en a fait un atout précieux.
Elle exposa avec Brogden à Paris en 1867 et en 1878, lorsqu'il reçut la Légion d'Honneur, et reçut même une médaille d'honneur en tant que collaborateur.
Pendentif de Charlotte Newman, en or et émail, v. 1890 (vues avant et arrière) Après la mort de Brogden en 1884, elle créa sa propre entreprise, conservant de nombreux artisans qui avaient travaillé pour lui. Sa carte de visite disait :"Mme Newman, orfèvre et bijoutier de la cour, 10 Savile Row, Londres."
«Elle dirigeait une boutique et avait des hommes qui travaillaient pour elle», explique Elyse Zorn Karlin, co-organisatrice de Maker &Muse. "C'était assez inhabituel à l'époque."
En savoir plus à propos de Mme Newman.
Jeanne Boivin dans son bureau de l'avenue de l'Opéra, Paris, années 1930 Au moment où la maison de joaillerie parisienne René Boivin est devenue célèbre, René avait disparu depuis longtemps. C'était sa veuve Jeanne Poiret Boivin qui dirigeait le spectacle.
Jeanne Boivin a choisi d'employer des créatrices et, ce faisant, a développé une signature forte mais féminine sous le nom Boivin – et a ainsi mis quelques autres femmes sur la carte.
Elle était la femme derrière l'homme dont le nom figure sur tant de bijoux qu'il n'a jamais vu.
Jeanne Poiret Boivin a vécu dans l'ombre de deux éminents créateurs parisiens, son frère Paul Poiret, couturier, et son mari René Boivin. Jeanne avait elle-même un grand œil et s'est révélée une femme d'affaires compétente, dirigeant seule l'entreprise pendant ses quatre décennies les plus célèbres.
René Boivin, un orfèvre qualifié, a fondé l'entreprise en 1891, mais son mariage avec Jeanne Poiret deux ans plus tard lui a permis de se connecter au monde de la mode par l'intermédiaire de son frère, Paul Poiret, le couturier le plus célèbre de Paris dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale.
Vous pouvez voir une esthétique commune dans les bijoux produits par l'entreprise de sa sœur, y compris un goût pour les thèmes, les couleurs et les matériaux exotiques, une passion pour l'Orient et le Moyen-Orient.
Broche articulée « Étoile de mer » de René Boivin, v. 1940, de rubis cabochon et pavé d'améthyste en or 18 carats 
Clips d'émeraude, saphir synthétique, diamant, or et platine de René Boivin, 1940 
Broche marron de René Boivin de péridots et citrines pavées vendue chez Sotheby's en 2019 (photo Cathleen McCarthy) « La Maison René Boivin est un terme un peu inapproprié à mon avis », déclare l'experte en joaillerie Dianne Lewis Batista. "René Boivin est décédé en 1917 à l'âge de 53 ans, au sommet de sa carrière. C'est à son épouse qu'il faut attribuer une grande partie de l'incroyable renommée de la maison."
Ayant perdu son fils et son mari pendant la guerre, Jeanne Boivin avait deux jeunes filles à charge. Elle n’avait d’autre choix que de reprendre l’entreprise, employant d’autres personnes pour dessiner ses créations. « Elle savait comment porter les bijoux et, comme son frère, elle avait un bon sens du style », explique Batista. "Son travail est antérieur à son époque."
Il est presque impossible maintenant de retrouver un bijou fabriqué par la maison René Boivin du temps de René Boivin. Alors qu'il a aidé son épouse à jeter les bases de l'entreprise et de son esthétique, la marque de collection que nous connaissons aujourd'hui a été créée par Jeanne Boivin et les designers qu'elle a employés, d'abord Suzanne Belperron puis Juliette Moutard. Ensemble, ils ont créé le look distinctif pour lequel la maison est devenue célèbre :des bijoux audacieux et colorés qui allaient au-delà de la géométrie dure de la décoration.
En savoir plus à propos de Jeanne Boivin.
Jeanne Toussaint, 1920 (photo Adolph de Meyer) Jeanne Toussaint a eu un impact considérable sur la conception de bijoux au cours de ses décennies en tant que directrice du département de bijoux de luxe de Cartier, qu'elle a repris en 1933. Sous sa direction, à la fin des années 1930, Cartier a commencé à s'éloigner des créations déco abstraites pour se tourner vers des œuvres figuratives telles qu'une série de coccinelles en laque noire et de broches à tête d'Indien d'Amérique.
Elle est également responsable des oiseaux fantaisistes de Cartier. Le plus célèbre est l'oiseau en cage que Cartier a introduit en 1940, symbole de résistance contre l'occupation nazie, et la version qui est apparue dans les vitrines de Cartier quelques jours après la libération de Paris :l'oiseau prêt à s'envoler, la porte de la cage ouverte.
«Elle pensait que les bijoux devaient être basés sur la joie», explique la joaillière Dianne Lewis-Batista. « Quel meilleur sujet que les oiseaux ? Les perroquets exotiques et les flamants roses étaient le point fort de Toussaint, tout comme les panthères – une image pour laquelle Cartier est connu encore aujourd'hui.
Surnommée « la panthère », Toussaint s’identifie évidemment à ce prédateur élancé. Son appartement était rempli de leurs peaux et elle portait des manteaux de panthère. Les bijoux de panthère ont touché une corde sensible chez d'autres femmes volontaires de l'époque. Parmi ses porteuses :Barbara Hutton, la duchesse d'Agha Khan et la duchesse de Windsor (qui possédait les deux pièces illustrées ci-dessus).
En savoir plus à propos de Jeanne Toussaint.
Suzanne Belperron (Photo :© Archives Olivier Baroin) Suzanne Belperron a perfectionné ses compétences en design pendant 14 ans au sein de la Maison René Boivin. En 1933, voulant faire reconnaître ses propres créations, elle part travailler chez le marchand de pierres précieuses Bernard Herz, qui fournit Boivin depuis 1912. Il donne carte blanche à Belperron pour concevoir tout ce qu'elle veut sous son propre nom. Ensemble, ils ont transformé son entreprise et sa réputation de créatrice en une marque de bijoux éponyme.
Lorsque Belperron a quitté Boivin, elle a emporté non seulement son expérience en design, disent certains, mais également quelques-unes des créations. Audrey Friedman, qui collectionne et vend les bijoux de Belperron dans sa galerie Primavera à Manhattan, a vu des pièces presque identiques, parfois avec les marques de Boivin, parfois avec celles de Belperron. Cela peut être dû en partie au fait que Juliette Moutard, qui a pris sa place en tant que designer en chef, a mis quelques années à développer son propre style.
Moutard a établi sa propre esthétique du design chez René Boivin dans les décennies qui ont suivi. Tout comme Belperron, bâtissant une réputation internationale qui ne cesse de croître.
Bracelet (à gauche) d'améthystes et d'émeraudes, v. 1937, de René Boivin, et deux de Suzanne Belperron d'améthystes, tourmalines et kunzite (au centre) et de tourmalines, émeraudes et péridot (Christie's Images) 
Collier en or blanc, platine, spinelle et diamant de Suzanne Belperron vendu 181 250 $ chez Sotheby's NY en décembre 2016 Les pièces emblématiques de Belperron présentent des pierres précieuses inhabituelles, souvent taillées en cabochon ou sculptées dans des formes fluides, élevées en métaux précieux de haute joaillerie, parfois en diamants. "Son talent dans la conception de bijoux résidait dans la combinaison et la manipulation de matériaux", explique Friedman. "Elle aimait les matériaux non précieux - agate, cristal de roche, calcédoine et citrine - et en faisait le point central d'une pièce. Son travail était très personnel et très dramatique. "
Bracelet manchette par Suzanne Belperron, v. 1936, de feuilles d'améthyste sculptées, de rubis et de diamants en or 18 carats et platine. Vendu avec le collier assorti chez Christie's en 2019 pour 507 000 $ (photo Cathleen McCarthy) Après l'occupation de Paris, Herz, juif, est arrêté et emmené à Auschwitz, où il meurt en 1943. Lorsque son fils Jean revient à Paris deux ans plus tard, après avoir survécu comme prisonnier de guerre, Belperron le prend comme associé. Ensemble, ils dirigèrent Herz-Belperron jusqu'en 1974.
La demande pour les bijoux Belperron continue de croître. Au cours des deux dernières décennies, cela a vraiment pris un essor. Suzanne Belperron est aujourd'hui l'une des designers les plus collectionneuses du XXe siècle.
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Elsa Schiaparelli a fermé sa boutique à Paris il y a près de six décennies, mais ses créations fantaisistes sont toujours aussi avant-gardistes. Lady Gaga pourrait porter son chapeau-chaussure sur scène et personne ne sourcillerait.
Schiaparelli, ou « Schiap », comme on l’appelait (prononcé Skap), était bien en avance sur son temps. Ses chapeaux-chaussures, conçus à partir d'un croquis de Salvador Dalí, sont apparus pour la première fois dans sa collection 1937/1938. Schiaparelli partageait le sens de l’humour et l’amour des jeux de mots visuels de Dali, ainsi que son désir de choquer et de divertir. Il a fourni les jeux de mots et les images emblématiques; elle a réussi à les rendre absurdes et chics à la fois. Peu de temps après ces collaborations, Dalí commença sérieusement à concevoir ses propres bijoux.
Schiaparelli a travaillé entre 1920 et 1954, mais son apogée a été la décennie précédant la guerre. Elle s'inspire de tous les mouvements artistiques populaires de son époque, notamment le modernisme, le futurisme, le cubisme, la déco et l'art africain, mais elle est particulièrement attirée par le surréalisme. Aux côtés de Dalí, Jean Cocteau et Albert Giacometti ont collaboré avec elle sur des créations. Cecil Beaton et Man Ray les ont photographiés. Tous la considéraient comme une amie et une égale.
De la collection Métamorphose de Schiaparelli, 1938, présentée dans la rétrospective Schiparelli inaugurée au Musée des Arts Décoratifs en juillet 2022 (photo MAD) Lorsqu’Elsa Schiaparelli lance sa première mode en 1927 – des pulls avec des nœuds en trompe-l’œil – elle n’a aucune formation en création vestimentaire. Deux ans plus tard, elle équipait les femmes les plus glamour du monde et faisait vibrer les conventions de la mode avec ses couleurs vives et ses créations soucieuses de son corps. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich et Katharine Hepburn portaient ses costumes moulants, ses pantalons virils et ses chapeaux arrogants.
Elsa Schiaparelli a également créé des bijoux fantaisie et des accessoires mémorables, notamment le collier (ci-dessus) qui donnait l'impression que celle qui le portait avait un défilé d'insectes rampant autour de sa gorge. Ses créations de bijoux ont probablement commencé avec les attaches qu'elle a conçues pour ses vêtements en bois, porcelaine, celluloïd, verre, cristal, ambre, jade blanc, cire à cacheter – boutons en forme de lacets, escargots, hauts, cadenas, écrous et boulons, grains de café, sucettes, cacahuètes, cuillères, fruits et légumes.
"Elle est responsable du sentiment de jeunesse spontanée qui s'est glissé dans tout", s'extasie Vogue en 1935.
En savoir plus à propos d'Elsa Schiaparelli.
Marianne Ostier était la principale créatrice d'Ostier, Inc., une entreprise de joaillerie qu'elle dirigeait avec son mari, Oliver Ostier, au milieu du siècle à Manhattan. Lauréate de nombreux prix prestigieux de design de diamants, Ostier était connue pour ses montages complexes et aléatoires et ses textures organiques qui reflètent sa formation d'artiste.
Marianne Ostier a étudié à l'Académie des Arts et Métiers de Vienne et était peintre et sculpteur lorsqu'elle a rencontré son mari, alors connu sous le nom d'Otto Oesterreicher, un joaillier de la cour autrichienne de troisième génération. Ils sont arrivés aux États-Unis en 1938, après l'annexion de l'Autriche par les nazis, et ont lancé une entreprise de bijouterie sous leur nouveau nom.
Plusieurs bijoux Ostier se sont vendus bien au-dessus des estimations chez Sotheby's l'année dernière, notamment un diadème en diamant vendu 225 000 $, réalisé pour la royauté européenne avant la guerre. Il met en valeur à la fois la fluidité d'Ostier avec les diamants et le platine, ainsi que les relations royales qu'entretenaient les Ostier lorsqu'ils ont atterri aux États-Unis. Une autre pièce en diamant et platine de cette vente aux enchères montre la créatrice 17 ans plus tard, à son apogée du milieu du siècle moderne.
Broche « Galaxie » de diamants (40,26 carats) en platine par Marianne Ostier, v. 1955 
Bracelet de Marianne Ostier, v. Années 1960, de perles de culture et de diamants, 24 975 $ au 1stdibs
C'est sur les côtes américaines qu'Ostier a développé une signature très différente, impliquant des formes moins symétriques, plus organiques – et une maîtrise tout aussi étonnante de l'or. Son spectaculaire collier « Voodoo » composé d'émeraudes à franges en or 18 carats et de cabochons, entrecoupés de platine sertie de diamants, ressemble à une algue très luxueuse et a dû être un véritable clou de fête lors de ses débuts.
En savoir plus à propos de Marianne Ostier.
Margaret De Patta a été la pionnière de tant d'aspects des bijoux d'art en studio que nous voyons maintenant que de nombreuses pièces qu'elle a conçues avant la Seconde Guerre mondiale semblent avoir pu être fabriquées hier – par un visionnaire artistique. Si vous n'avez pas eu la chance de voir la récente rétrospective de son travail au Museum of Arts &Design de New York, vous pouvez toujours vous procurer le catalogue relié publié en octobre dernier.
Structure de lumière spatiale :les bijoux de Margaret De Patta était l’une de mes acquisitions préférées cette année-là. En ce qui concerne les bijoux d’atelier, une grande partie du travail de De Patta semble si contemporain qu’il est difficile de se rappeler à quel point cela a dû paraître fou au monde de la joaillerie lorsqu’elle les fabriquait. "Ses bijoux étaient très frais, très avant-gardistes, très choquants pour certaines personnes", explique Julie Muniz, l'une des auteurs et co-commissaires de l'exposition.
Pendentif en or et quartz rutilé, 1948, par Margaret De Patta (collection Oakland Museum of California/photo M Lee Fatherree) De Patta étudiait la peinture à l'Art Students League dans les années 1920 à New York lorsqu'elle s'est impliquée dans la conception de bijoux, et vous pouvez clairement voir cette influence du début de l'art moderne dans ses bijoux. Elle a créé des pièces cinétiques fascinantes, avec des pièces qui pivotent pour transformer le design, et a incorporé des galets de plage ordinaires six décennies avant que cela ne devienne à la mode parmi les bijoutiers d'art.
Mais les bijoux les plus séduisants qu’elle a réalisés – ou « sculptures portables » comme elle l’appelait – étaient les « opticuts » qu’elle a conçus avec le lapidaire de la Bay Area, Francis Sperison. De Patta a réalisé des choses étonnantes avec le quartz rutilé, en concevant des cadres métalliques pour refléter les angles des rutilations et en utilisant le quartz lui-même pour créer une distorsion optique.
En savoir plus à propos de Margaret De Patta.
De nombreuses autres femmes ont ouvert la voie au monde de la joaillerie tel que nous le connaissons. J'essaierai de les retrouver au fur et à mesure qu'ils apparaîtront aux enchères et lors d'expositions. Je pense que les femmes continueront à jouer un rôle majeur dans la création de bijoux. J'ai interviewé de nombreux designers et créateurs masculins talentueux au fil des ans, mais je rencontre beaucoup plus de femmes ces jours-ci.
L’année dernière, j’ai vu une nouvelle génération réactiver une vieille lutte pour l’égalité des droits, qui a culminé avec la descente de millions de personnes dans les rues du monde entier pour la Marche des femmes en janvier. (J’ai défilé à Washington DC, avec des hommes et des femmes.) Nous avons parcouru un long chemin, mais il devient clair que nous avons encore du chemin à parcourir. Aujourd'hui, célébrons les visionnaires courageux et talentueux qui nous ont menés jusqu'ici.
Droits d'auteur ©Cathleen McCarthy. Tous droits réservés.
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