Letzte Aktualisierung:18. Juli 2025
Wenn Sie der Meinung sind, dass der Aufbau einer Karriere als Schmuckdesignerin heutzutage eine Herausforderung darstellt, stellen Sie sich vor, wie es vor 50 Jahren war, als die Frauenbewegung gerade erst richtig Fahrt aufnahm – oder vor einem Jahrhundert, als die Suffragetten auf der Straße um unser Wahlrecht kämpften.
Dennoch ist Schmuck eine Kunstform, zu der Frauen schon immer eine natürliche Affinität hatten. Schließlich sind wir die Hauptträger, und Schmuck ist oft eng mit der Mode verbunden. Das Entwerfen und Herstellen von Schmuck ist ein Handwerk, das ein scharfes Auge und nicht viel Muskelkraft erfordert. Dies kann ruhig und hinter verschlossenen Türen erfolgen. Meistens stand im Laufe der Geschichte ein Mann an diesen Türen und leitete das Geschäft.
Es gibt wahrscheinlich vieles, was wir über die Geschichte der Juwelierinnen nicht wissen (und vielleicht auch nie wissen werden). Aber wir wissen, dass Frauen bereits Mitte des 19. Jahrhunderts Einfluss darauf hatten, was andere Frauen als Krönung trugen.
Hier ist ein Überblick über meine langjährige Serie „Women Who Paved the Way“, damit Sie die entscheidende Zeit überblicken können, in der Juwelierinnen aus dem Schatten traten und das Schmuckdesign und die Schmuckindustrie, wie wir sie kennen, prägten.
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Sie ebnete den Weg für die Frauen, die ihn ebneten. Sie nannten sie Mrs. Newman.
Charlotte Newman startete ihre Karriere in den 1860er Jahren, als das Geschäft und die Schmuckherstellung ausschließlich Männern vorbehalten waren. Sie stellte begehrten Schmuck her und betrieb schließlich ihr eigenes Geschäft in der Savile Row. Sogar auf dem Höhepunkt ihrer Karriere, mit Orden im Gepäck und Männern im Dienst, antwortete sie auf den Namen ihres Mannes und stempelte ihre Juwelen mit „Frau N.“
Heutzutage ist diese Marke zu einem Sammlerstück geworden und wird es wahrscheinlich noch mehr werden.
Anhänger aus Gold, Emaille und Amethyst, entworfen von Mrs. Philip (Charlotte) Newman, 1884-1890 (Sammlung des Newark Museum. Foto John A. Faier/Richard E. Driehaus Museum) Als dieser Anhänger hergestellt wurde, stellte Mrs. Newman seit mindestens 25 Jahren Schmuck her und betrieb seit sechs Jahren ihr eigenes Geschäft. Schmuckhistoriker bezeichnen Charlotte Isabella Newman als die erste bedeutende weibliche Studiojuwelierin. In den letzten vier Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts war sie in London tätig und begann ihre Karriere beim Juwelier John Brogden.
Charlotte Newman lernte ihr Handwerk an der Government Art School in South Kensington, bevor sie Assistentin von Brogden wurde, der ein 1796 gegründetes Familienunternehmen erbte. Einige glauben, dass Mrs. Newman möglicherweise Schmuck hergestellt hat, bevor ihre eigene Marke auftauchte. Als dieses Amethystarmband mit Brogdens Zeichen aus den 1870er Jahren 2007 bei Sotheby’s London zum Verkauf angeboten wurde, deutete die Katalogbeschreibung darauf hin, dass Mrs. Newman möglicherweise daran beteiligt gewesen sein könnte.
Manschettenarmband von John Brogden, 1870er Jahre, verkauft bei Sotheby’s London, stammte wahrscheinlich von meiner Charlotte Newman Als erfahrener Goldschmied hatte Newman ein Gespür für die Herstellung exquisiter Juwelen in verschiedenen antiken Stilrichtungen, von byzantinisch bis zur Renaissance, und zwar auf eine Art und Weise, die dem aktuellen Geschmack entsprach. Angesichts des Hungers nach archäologischem Wiederbelebungsschmuck im viktorianischen England war sie eine wertvolle Bereicherung.
Sie stellte 1867 mit Brogden in Paris aus und 1878, als ihm die Ehrenlegion verliehen wurde, und erhielt als Mitarbeiterin sogar eine eigene Ehrenmedaille.
Anhänger von Charlotte Newman, aus Gold und Emaille, ca. 1890 (Vorder- und Rückansicht) Nach Brogdens Tod im Jahr 1884 gründete sie ihr eigenes Unternehmen und behielt viele der Handwerker, die für ihn gearbeitet hatten. Auf ihrer Visitenkarte stand:„Mrs. Newman, Goldsmith and Court Jeweller, 10 Savile Row, London.“
„Sie betrieb ein Geschäft und ließ Männer für sich arbeiten“, sagt Elyse Zorn Karlin, Mitkuratorin von Maker &Muse. „Das war damals ziemlich ungewöhnlich.“
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Jeanne Boivin in ihrem Büro in der Avenue de l’Opéra, Paris, 1930er Jahre Als das Pariser Schmuckhaus René Boivin berühmt wurde, war René schon lange nicht mehr da. Es war seine Witwe Jeanne Poiret Boivin, die die Show leitete.
Jeanne Boivin entschied sich für die Beschäftigung weiblicher Designer und entwickelte im Zuge dessen einen starken, aber femininen Signature-Stil unter dem Namen Boivin – und machte damit einige andere Frauen bekannt.
Sie war die Frau hinter dem Mann, dessen Name auf so vielen Juwelen steht, die er nie gesehen hat.
Jeanne Poiret Boivin lebte im Schatten zweier prominenter Pariser Designer, ihres Bruders Paul Poiret, eines Couturiers, und ihres Mannes René Boivin. Jeanne hatte selbst ein großes Auge und erwies sich als geschickte Geschäftsfrau, die das Unternehmen in den vier berühmtesten Jahrzehnten allein leitete.
René Boivin, ein erfahrener Goldschmied, gründete das Unternehmen im Jahr 1891, aber seine Heirat mit Jeanne Poiret zwei Jahre später brachte durch ihren Bruder Paul Poiret, den berühmtesten Couturier in Paris in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg, Verbindungen zur Modewelt.
In den Schmuckstücken, die das Unternehmen seiner Schwester herstellte, lässt sich eine gemeinsame Ästhetik erkennen, darunter eine Vorliebe für exotische Themen, Farben und Materialien sowie eine Leidenschaft für den Orient und den Nahen Osten.
Gelenkbrosche „Seestern“ von René Boivin, ca. 1940, aus Cabochon-Rubinen und Pavé-Amethysten in 18 Karat Gold 
Clips aus Smaragd, synthetischem Saphir, Diamant, Gold und Platin von René Boivin, 1940 
Kastanienbrosche von René Boivin aus Peridots und Citrinen in Pavé-Fassung, 2019 bei Sotheby’s verkauft (Foto Cathleen McCarthy) „Das Haus René Boivin ist meiner Meinung nach eine etwas irreführende Bezeichnung“, sagt Schmuckexpertin Dianne Lewis Batista. „René Boivin starb 1917 im Alter von 53 Jahren, auf dem Höhepunkt seiner Karriere. Seiner Frau sollte ein Großteil des unglaublichen Ruhms der Firma zugeschrieben werden.“
Nachdem Jeanne Boivin im Krieg ihren Sohn und Ehemann verloren hatte, musste sie zwei kleine Töchter ernähren. Sie hatte keine andere Wahl, als das Unternehmen zu übernehmen und andere mit der Zeichnung ihrer Entwürfe zu beauftragen. „Sie wusste, wie Schmuck getragen werden sollte, und hatte wie ihr Bruder ein gutes Gespür für Stil“, sagt Batista. „Ihre Arbeit war älter als ihre Zeit.“
Es ist heutzutage fast unmöglich, ein Juwel zu finden, das aus dem Hause René Boivin hergestellt wurde, als René Boivin lebte. Während er seiner Frau half, den Grundstein für das Unternehmen und seine Designästhetik zu legen, wurde die Sammlermarke, die wir heute kennen, von Jeanne Boivin und den von ihr beschäftigten Designern, zuerst Suzanne Belperron und dann Juliette Moutard, geschaffen. Gemeinsam schufen sie den unverwechselbaren Look, für den das Haus berühmt wurde:kühne, farbenfrohe Juwelen, die über die strenge Geometrie des Deko hinausgehen.
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Jeanne Toussaint, 1920 (Foto Adolph de Meyer) Jeanne Toussaint hatte während ihrer jahrzehntelangen Tätigkeit als Leiterin der Luxusschmuckabteilung von Cartier, die sie 1933 übernahm, einen dramatischen Einfluss auf das Schmuckdesign. Unter ihrer Führung begann Cartier Ende der 1930er Jahre, sich von abstrakten Deco-Designs zu entfernen und sich figurativen Arbeiten zuzuwenden, wie einer Reihe von schwarz lackierten Marienkäfern und Broschen mit Indianerköpfen.
Sie ist auch für die skurrilen Vögel von Cartier verantwortlich. Am berühmtesten ist der Käfigvogel, den Cartier 1940 einführte, ein Symbol des Widerstands gegen die Nazi-Besatzung, und die Version, die Tage nach der Befreiung von Paris in Cartiers Fenstern erschien:der Vogel bereit zum Flug, die Käfigtür offen.
„Sie hatte das Gefühl, dass Schmuck auf Freude basieren muss“, sagt Schmuckhändlerin Dianne Lewis-Batista. „Gibt es ein besseres Thema als Vögel?“ Exotische Papageien und Flamingos waren Toussaints Stärke, ebenso wie Panther – ein Bild, für das Cartier bis heute bekannt ist.
Toussaint, auch „Panther“ genannt, identifizierte sich offensichtlich mit diesem eleganten Raubtier. Ihre Wohnung war mit ihren Fellen gefüllt und sie trug Panthermäntel. Die Pantherjuwelen trafen bei anderen willensstarken Frauen der damaligen Zeit großen Anklang. Zu seinen Trägern:Barbara Hutton, die Herzogin von Agha Khan und die Herzogin von Windsor (die beide oben abgebildeten Stücke besaß).
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Suzanne Belperron (Foto:© Archiv Olivier Baroin) Suzanne Belperron verfeinerte ihre Designfähigkeiten während 14 Jahren im Haus von René Boivin. Auf der Suche nach Anerkennung für ihre eigenen Entwürfe verließ sie 1933 das Unternehmen und arbeitete für den Edelsteinhändler Bernard Herz, der Boivin seit 1912 belieferte. Er ließ Belperron freie Hand, unter ihrem eigenen Namen alles zu entwerfen, was sie wollte. Gemeinsam verwandelten sie seine Firma und ihren Ruf als Designerin in eine gleichnamige Schmuckmarke.
Als Belperron Boivin verließ, nahm sie, wie manche sagen, nicht nur ihre Designerfahrung mit, sondern auch einige der Designs. Audrey Friedman, die Belperrons Schmuck über ihre Primavera Gallery in Manhattan sammelt und verkauft, hat fast identische Stücke gesehen, manchmal mit Boivins Marken, manchmal mit denen von Belperron. Dies mag teilweise daran liegen, dass Juliette Moutard, die ihren Platz als Chefdesignerin einnahm, ein paar Jahre brauchte, um ihren eigenen Stil zu entwickeln.
Moutard etablierte in den folgenden Jahrzehnten bei René Boivin ihre eigene Designästhetik. Und so gelang es Belperron, sich einen internationalen Ruf aufzubauen, der weiter wächst.
Armband (links) aus Amethysten und Smaragden, ca. 1937, von René Boivin, und zwei von Suzanne Belperron aus Amethysten, Turmalinen und Kunzit (Mitte) sowie Turmalinen, Smaragden und Peridot (Christie’s Images) 
Halskette aus Weißgold, Platin, Spinell und Diamant von Suzanne Belperron, im Dezember 2016 bei Sotheby’s NY für 181.250 US-Dollar verkauft Die charakteristischen Belperron-Stücke bestehen aus ungewöhnlichem Edelsteinmaterial, das oft als Cabochon geschliffen oder in fließende Formen geschnitzt wird und zu hochwertigen Schmuckstücken aus Edelmetallen, manchmal auch Diamanten, verarbeitet wird. „Ihr Talent beim Entwerfen von Schmuck bestand darin, Materialien zu kombinieren und zu manipulieren“, sagt Friedman. „Sie hatte eine Vorliebe für unedle Materialien – Achat, Bergkristall, Chalcedon und Citrin – und machte sie zum Mittelpunkt eines Stücks. Ihre Arbeit war sehr persönlich und sehr dramatisch.“
Manschettenarmband von Suzanne Belperron, ca. 1936, aus geschnitzten Amethystblättern, Rubinen und Diamanten in 18 Karat Gold und Platin. Mit passender Halskette 2019 bei Christie’s für 507.000 US-Dollar verkauft (Foto Cathleen McCarthy) Nach der Besetzung von Paris wurde der Jude Herz verhaftet und nach Auschwitz gebracht, wo er 1943 starb. Als sein Sohn Jean zwei Jahre später, nachdem er die Kriegsgefangenschaft überlebt hatte, nach Paris zurückkehrte, nahm Belperron ihn als Partner auf. Gemeinsam führten sie Herz-Belperron bis 1974.
Die Nachfrage nach Belperron-Juwelen wächst weiter. In den letzten Jahrzehnten hat es wirklich einen Aufschwung genommen. Suzanne Belperron ist heute eine der am meisten gesammelten Designerinnen des 20. Jahrhunderts.
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Elsa Schiaparelli hat ihr Geschäft in Paris vor fast sechs Jahrzehnten geschlossen, doch ihre skurrilen Kreationen sehen so modern aus wie eh und je. Lady Gaga könnte ihren Schuhhut auf der Bühne tragen und niemand würde mit der Wimper zucken.
Schiaparelli oder „Schiap“, wie sie genannt wurde (ausgesprochen Skap), war ihrer Zeit weit voraus. Ihre nach einer Skizze von Salvador Dalí entworfenen Schuhhüte erschienen erstmals 1937/1938 in ihrer Kollektion. Schiaparelli teilte Dalis Sinn für Humor und seine Liebe zu visuellen Wortspielen sowie seinen Wunsch, zu schockieren und zu unterhalten. Er lieferte die Wortspiele und ikonischen Bilder; Sie hat es geschafft, sie gleichzeitig absurd und schick zu machen. Bald nach dieser Zusammenarbeit begann Dalí, ernsthaft seinen eigenen Schmuck zu entwerfen.
Schiaparelli arbeitete zwischen 1920 und 1954, ihre Blütezeit erlebte sie jedoch im Jahrzehnt vor dem Krieg. Sie schöpfte aus allen populären Kunstrichtungen ihrer Zeit, darunter Modernismus, Futurismus, Kubismus, Deko und afrikanische Kunst, fühlte sich aber besonders zum Surrealismus hingezogen. Neben Dalí arbeiteten auch Jean Cocteau und Albert Giacometti an Entwürfen mit ihr zusammen. Cecil Beaton und Man Ray haben sie fotografiert. Alle betrachteten sie als eine gleichberechtigte Freundin.
Aus Schiaparellis Metamorphosis-Sammlung, 1938, gezeigt in der Schiparelli-Retrospektive, die im Juli 2022 im Musée des Arts Décoratifs eröffnet wird (Foto MAD) Als Elsa Schiaparelli 1927 ihren ersten Modetrend auslöste – Pullover mit Trompe-l’oeil-Schleifen – hatte sie keine Ausbildung im Bekleidungsdesign. Zwei Jahre später stattete sie die glamourösesten Frauen der Welt aus und rockte Modekonventionen mit ihren kräftigen Farben und figurbetonten Designs. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich und Katharine Hepburn trugen ihre figurbetonten Anzüge, männlichen Hosen und auffälligen Hüte.
Elsa Schiaparelli kreierte auch einige denkwürdige Modeschmuckstücke und Accessoires, darunter die Halskette (oben), die der Trägerin den Eindruck vermittelte, eine Parade von Insekten würde um ihren Hals krabbeln. Ihre Schmuckdesigns begannen wahrscheinlich mit den Verschlüssen, die sie für ihre Kleidung entwarf:aus Holz, Porzellan, Zelluloid, Glas, Kristall, Bernstein, weißer Jade, Siegellack – Knöpfe in Form von Schnürsenkeln, Schnecken, Deckeln, Vorhängeschlössern, Schrauben und Muttern, Kaffeebohnen, Lutschern, Erdnüssen, Löffeln, Obst und Gemüse.
„Sie ist verantwortlich für das Gefühl spontaner Jugend, das sich in alles eingeschlichen hat“, schwärmte die Vogue 1935.
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Marianne Ostier war die Hauptdesignerin von Ostier, Inc., einer Schmuckfirma, die sie zusammen mit ihrem Mann Oliver Ostier im Manhattan der Mitte des Jahrhunderts leitete. Als Gewinnerin zahlreicher prestigeträchtiger Diamant-Designpreise war Ostier für ihre aufwendig zufälligen Montagen und organischen Texturen bekannt, die ihre Ausbildung als Künstlerin widerspiegeln.
Marianne Ostier studierte an der Wiener Akademie der Künste und Kunstgewerbe und war praktizierende Malerin und Bildhauerin, als sie ihren Mann kennenlernte, der damals als Otto Oesterreicher bekannt war und in dritter Generation Hofjuwelier in Österreich war. Sie kamen 1938 nach der Annexion Österreichs durch die Nazis in die USA und gründeten unter ihrem neuen Namen ein Schmuckgeschäft.
Mehrere Ostier-Juwelen wurden letztes Jahr bei Sotheby’s deutlich über den Schätzungen verkauft, darunter eine Diamant-Tiara, die vor dem Krieg für europäische Könige angefertigt wurde und 225.000 US-Dollar einbrachte. Es zeigt sowohl Ostiers fließenden Umgang mit Diamanten und Platin als auch die königlichen Verbindungen, die die Ostiers bei ihrer Landung in den USA hatten. Ein weiteres mit Diamanten und Platin ausgezeichnetes Stück in dieser Auktion zeigt die Designerin 17 Jahre später, auf dem Höhepunkt ihrer Mid-Century-Moderne.
„Galaxy“-Brosche aus Diamanten (40,26 Karat) in Platin von Marianne Ostier, ca. 1955 
Armband von Marianne Ostier, ca. 1960er Jahre, aus Zuchtperlen und Diamanten, 24.975 $ bei 1stdibs
An den Küsten Amerikas entwickelte Ostier einen ganz anderen charakteristischen Stil, der weniger symmetrische, organischere Formen beinhaltete – und eine ebenso erstaunliche Beherrschung des Goldes. Ihre dramatische „Voodoo“-Halskette aus 18-Karat-Goldfransen und Cabochon-Smaragden, durchsetzt mit diamantbesetztem Platin, sieht aus wie sehr luxuriöser Seetang und muss bei ihrem Debüt ein echter Party-Hit gewesen sein.
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Margaret De Patta leistete Pionierarbeit in so vielen Aspekten der Studiokunst, dass wir heute sehen, dass viele Stücke, die sie vor dem Zweiten Weltkrieg entworfen hat, so aussehen, als wären sie erst gestern hergestellt worden – von einem künstlerischen Visionär. Wenn Sie nicht das Glück hatten, die jüngste Retrospektive ihrer Arbeit im Museum of Arts &Design in NYC zu sehen, können Sie sich immer noch den im letzten Oktober veröffentlichten Hardcover-Katalog zulegen.
Weltraumlichtstruktur:Der Schmuck von Margaret De Patta war eine meiner Lieblingsanschaffungen in diesem Jahr. Was Studioschmuck betrifft, wirken viele Arbeiten von De Patta so zeitgenössisch, dass man sich kaum noch daran erinnern kann, wie verrückt es auf die Schmuckwelt ausgesehen haben muss, als sie es herstellte. „Ihr Schmuck war sehr frisch, sehr avantgardistisch und für manche Menschen sehr schockierend“, sagt Julie Muniz, eine der Autorinnen und Co-Kuratorinnen der Ausstellung.
Anhänger aus Gold und Rutilquarz, 1948, von Margaret De Patta (Sammlung Oakland Museum of California/Foto M Lee Fatherree) De Patta studierte in den 1920er Jahren in New York Malerei an der Art Students League, als sie sich mit Schmuckdesign beschäftigte, und man kann den Einfluss der frühen modernen Kunst in ihrem Schmuck deutlich erkennen. Sie schuf einige faszinierende kinetische Stücke mit drehbaren Teilen, um das Design zu verändern, und integrierte gewöhnliche Strandkiesel sechs Jahrzehnte bevor diese bei Kunstjuwelieren in Mode kamen.
Aber die verführerischsten Juwelen, die sie machte – oder „tragbare Skulpturen“, wie sie es nannte – waren die „Opticuts“, die sie mit dem Steinschleifer Francis Sperison aus der Bay Area entwarf. De Patta hat mit Rutilquarz erstaunliche Dinge vollbracht, indem er Metallrahmen entworfen hat, die die Winkel der Rutilquarze widerspiegeln, und den Quarz selbst verwendet hat, um optische Verzerrungen zu erzeugen.
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Es gibt noch viel mehr Frauen, die der Schmuckwelt, wie wir sie kennen, den Weg geebnet haben. Ich werde versuchen, sie zu erreichen, sobald sie bei Auktionen und Ausstellungen auftauchen. Ich denke, dass Frauen weiterhin eine wichtige Rolle im Schmuckdesign spielen werden. Ich habe im Laufe der Jahre viele talentierte männliche Designer und Macher interviewt, aber heutzutage treffe ich viel mehr Frauen.
Im vergangenen Jahr habe ich miterlebt, wie eine neue Generation einen alten Kampf für Gleichberechtigung wiederbelebte, was darin gipfelte, dass im Januar Millionen Menschen auf der ganzen Welt zum Frauenmarsch auf die Straße gingen. (Ich bin mit Männern und Frauen in Washington D.C. marschiert.) Wir haben einen langen Weg zurückgelegt, aber es wird klar, dass wir noch einen Weg vor uns haben. Feiern wir heute die mutigen und talentierten Visionäre, die uns so weit gebracht haben.
Copyright ©Cathleen McCarthy. Alle Rechte vorbehalten.
Schmuckdesignerinnen
Schmuck von Suzanne Belperron:Mein Stil ist meine Signatur
Raumlichtstruktur:Der Schmuck von Margaret de Patta
Schockierend:Die surreale Welt von Elsa Schiaparelli
Die Cartiers:Die unerzählte Geschichte der Familie hinter dem Schmuckimperium
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