Sidst opdateret:18. juli 2025
Hvis du synes, det er udfordrende at bygge en karriere som smykkedesigner i dag, så forestil dig, hvordan det var for 50 år siden, da kvindebevægelsen lige brød i brand – eller for et århundrede siden, da suffragetterne kæmpede i gaderne for vores stemmeret.
Alligevel er smykker en kunstform, som kvinder altid har haft en naturlig affinitet til. Vi er trods alt de primære bærere, og smykker er ofte tæt forbundet med mode. At designe og lave smykker er et håndværk, der kræver et skarpt øje og ikke meget muskler. Det kan gøres stille og roligt bag lukkede døre. Oftere end ikke, gennem historien, stod en mand ved disse døre og drev virksomheden.
Der er formentlig meget, vi ikke (og måske aldrig) ved om kvindelige guldsmeders historie. Men vi ved, at kvinder påvirkede, hvad andre kvinder bar som kronen på værket, i det mindste så langt tilbage som i midten af det 19. århundrede.
Her er en oversigt over min langvarige serie "Women Who Paved the Way", så du kan scanne den afgørende periode, hvor kvindelige juvelerer dukkede op fra skyggerne for at forme smykkedesign og smykkeindustrien, som vi kender den.
Klik gennem i slutningen af hver kapsel for at læse min originale profil i sin helhed med flere smukke billeder.
Hun banede vejen for de kvinder, der banede vejen. De kaldte hende Mrs. Newman.
Charlotte Newman lancerede sin karriere i 1860'erne, hvor forretning og smykkefremstilling kun var for mænd, og hun producerede eftertragtede juveler og drev i sidste ende sin egen butik på Savile Row. Selv på højden af sin karriere, med medaljer under bæltet og mænd i sin ansættelse, svarede hun på sin mands navn og stemplede sine juveler "Mrs N."
I disse dage er dette mærke blevet meget samlerbart, og det vil sandsynligvis blive endnu mere.
Vedhæng af guld, emalje og ametyst designet af Mrs. Philip (Charlotte) Newman, 1884-1884-1890 Photo of the New FaRich Museum/ERICH. Driehaus Museum) Da dette vedhæng blev lavet, havde Mrs. Newman produceret smykker i mindst 25 år og drevet sin egen butik i seks. Smykkehistorikere krediterer Charlotte Isabella Newman som den første vigtige kvindelige studiejuveler. Hun var aktiv i London i de sidste fire årtier af det 19. århundrede og fik hende til at arbejde for juveler John Brogden.
Charlotte Newman lærte sit fag på Government Art School i South Kensington, før hun blev assistent for Brogden, som arvede en familievirksomhed etableret i 1796. Nogle mener, at fru Newman kan have produceret smykker, før hendes eget mærke begyndte at dukke op. Da dette ametystarmbånd med Brogdens mærke fra 1870'erne kom til salg på Sotheby's London i 2007, antydede katalogbeskrivelsen, at fru Newman muligvis havde en finger med i det.
Manchetarmbånd af John Brogden, 1870'erne, solgt på Sotheby's London, producerede sandsynligvis min Charlotte Newman Som en dygtig guldsmed havde Newman en evne til at producere udsøgte juveler i en række antikke stilarter, fra byzantinsk til renæssancens genoplivning, på en måde, der passede til den nuværende smag. I betragtning af hungrenen efter arkæologiske genoplivningssmykker i det victorianske England, gjorde det hende til et værdifuldt aktiv.
Hun udstillede med Brogden i Paris i 1867 og i 1878, da han blev tildelt Legion d'Honneur, og fik endda en egen æresmedalje som samarbejdspartner.
Vedhæng af Charlotte Newman, af guld og emalje, ca. 1890 (forfra og bagfra) Efter Brogdens død i 1884 etablerede hun sin egen virksomhed og beholdt mange af de håndværkere, der havde arbejdet for ham. På hendes visitkort stod der:"Mrs. Newman, Goldsmith and Court Jeweller, 10 Savile Row, London."
"Hun drev en butik og havde mænd, der arbejdede for hende," siger Elyse Zorn Karlin, der var medkurater for Maker &Muse. "Det var ret usædvanligt på det tidspunkt."
Læs mere om fru Newman.
Jeanne Boivin på sit kontor på Avenue de l'Opéra, Paris, 1930'erne Da det parisiske smykkehus René Boivin blev berømt, var René for længst væk. Det var hans enke Jeanne Poiret Boivin, der kørte showet.
Jeanne Boivin valgte at ansætte kvindelige designere og udviklede i processen en stærk, men feminin signaturstil under Boivin-navnet – og satte et par andre kvinder på landkortet i processen.
Hun var kvinden bag manden, hvis navn står på så mange juveler, han aldrig har set.
Jeanne Poiret Boivin levede i skyggen af to fremtrædende parisiske designere, hendes bror Paul Poiret, en couturier, og mand René Boivin. Jeanne havde selv et godt øje og viste sig at være en dygtig forretningskvinde, der selv styrede virksomheden i dets fire mest berømte årtier.
René Boivin, en dygtig guldsmed, grundlagde virksomheden i 1891, men hans ægteskab med Jeanne Poiret to år senere bragte forbindelser til modeverdenen gennem hendes bror, Paul Poiret, den mest berømte couturier i Paris i årene op til WWI.
Du kan se en fælles æstetik i de smykker, som hans søsters firma producerede, herunder en smag for eksotiske temaer, farver og materialer, en passion for Orienten og Mellemøsten.
"Starfish" artikuleret broche af René Boivin, ca. 1940, af cabochon rubiner og pavé ametyst i 18 karat guld 
Klip af smaragd, syntetisk safir, diamant, guld og platin af René Boivin, 1940 
Kastanjebroche af René Boivin af pavésæt peridoter og citriner solgt hos Sotheby's i 201. "The House of René Boivin er efter min mening lidt af en forkert betegnelse," siger smykkeekspert Dianne Lewis Batista. "René Boivin døde i 1917 i en alder af 53, på højden af sin karriere. Det var hans kone, der skulle tilskrives meget af firmaets utrolige berømmelse."
Efter at have mistet sin søn og mand under krigen havde Jeanne Boivin to unge døtre at forsørge. Hun havde ikke meget andet valg end at overtage virksomheden og ansætte andre til at tegne hendes designs. "Hun vidste, hvordan juveler skulle bæres, og ligesom sin bror havde hun en god sans for stil," siger Batista. "Hendes arbejde gik forud for hendes tid."
Det er næsten umuligt nu at finde en juvel lavet af René Boivins hus, mens René Boivin levede. Mens han hjalp sin kone med at lægge grundlaget for virksomheden og dens designæstetik, blev samlermærket, vi kender i dag, skabt af Jeanne Boivin og de designere, hun ansatte, først Suzanne Belperron og derefter Juliette Moutard. Sammen skabte de det karakteristiske look, huset blev berømt for:dristige, farverige juveler, der bevægede sig ud over Decos barske geometri.
Læs mere om Jeanne Boivin.
Jeanne Toussaint, 1920 (foto Adolph de Meyer) Jeanne Toussaint påvirkede smykkedesign dramatisk i løbet af sine årtier som direktør for Cartiers afdeling for luksussmykker, som hun overtog i 1933. Under hendes vejledning i slutningen af 1930'erne begyndte Cartier at bevæge sig væk fra abstrakte deco-designs og ind i figurativt arbejde såsom en række indiske, indiske, amerikanske P-damebrocher i sort lak.
Hun er også ansvarlig for Cartiers finurlige fugle. Mest berømt er den burfugl, som Cartier introducerede i 1940, et symbol på modstand mod den nazistiske besættelse, og den version, der dukkede op i Cartiers vinduer dage efter Paris blev befriet:fuglen klar til flugt, burdøren åben.
"Hun følte, at smykker skulle være baseret på glæde," siger smykkeforhandler Dianne Lewis-Batista. "Hvilket bedre emne end fugle?" Eksotiske papegøjer og flamingoer var Toussaints forte, ligesom pantere – et billede Cartier er kendt for den dag i dag.
Med tilnavnet "panteren" identificerede Toussaint sig tydeligvis med dette slanke rovdyr. Hendes lejlighed var fyldt med deres skind, og hun bar panterfrakker. Pantherjuvelerne ramte en akkord med datidens andre viljestærke hunner. Blandt dens bærere:Barbara Hutton, hertuginden af Agha Khan og hertuginden af Windsor (som ejede begge stykker på billedet ovenfor).
Læs mere om Jeanne Toussaint.
Suzanne Belperron (Foto:© Archives Olivier Baroin) Suzanne Belperron finpudset sine designevner i løbet af 14 år i House of René Boivin. I 1933, fordi hun ville have æren for sine egne designs, rejste hun for at arbejde for ædelstensforhandleren Bernard Herz, som havde leveret Boivin siden 1912. Han gav Belperron frie hænder til at designe alt, hvad hun ønskede under sit eget navn. Sammen forvandlede de hans firma og hendes ry som designer til et eponymt smykkemærke.
Da Belperron forlod Boivin, tog hun ikke kun sin designerfaring, siger nogle, men også nogle få af designerne. Audrey Friedman, der samler og sælger Belperrons smykker gennem sit Primavera Gallery på Manhattan, har set næsten identiske stykker, nogle gange med Boivins mærker, nogle gange med Belperrons. Det kan til dels skyldes, at Juliette Moutard, der tog hendes plads som chefdesigner, tog et par år på at udvikle sin egen stil.
Moutard etablerede sin egen designæstetik hos René Boivin i de årtier, der fulgte. Og det gjorde Belperron, der opbyggede et internationalt ry, der fortsætter med at vokse.
Armbånd (til venstre) af ametyster og smaragder, ca. 1937, af René Boivin, og to af Suzanne Belperron af ametyster, turmaliner og kunzit (i midten) og turmaliner, smaragder og peridot (Christies billeder) 
Halskæde af hvidguld, platin, spinel og diamant af Suzanne Belperron solgt for 181.250 USD i Sotheby 2’0s1 NY i december 2’0s1 NY Belperrons signaturstykker har usædvanligt ædelstensmateriale, ofte skåret au cabochon eller udskåret i flydende former, forhøjet til høje smykker ædle metaller, nogle gange diamanter. "Hendes talent i at designe smykker var i at kombinere og manipulere materialer," siger Friedman. "Hun var delvis over for ikke-ædelbart materiale - agat, bjergkrystal, kalcedon og citrin - og gjorde det til fokus for et stykke. Hendes arbejde var meget personligt og meget dramatisk."
Manchetarmbånd af Suzanne Belperron, ca. 1936, af udskårne ametystblade, rubiner og diamanter i 18 karat guld og platin. Solgt med matchende halskæde hos Christie's i 2019 for $507.000 (foto Cathleen McCarthy) Efter besættelsen af Paris blev Herz, en jøde, arresteret og ført til Auschwitz, hvor han døde i 1943. Da hans søn Jean vendte tilbage til Paris to år senere efter at have overlevet som krigsfange, tog Belperron ham som partner. Sammen drev de Herz-Belperron indtil 1974.
Efterspørgslen efter Belperron-juveler fortsætter med at vokse. I de sidste par årtier er det virkelig taget fart. Suzanne Belperron er nu en af de mest ivrig indsamlede designere i det 20. århundrede.
Læs mere om Suzanne Belperron.
Elsa Schiaparelli lukkede sin butik i Paris for næsten seks årtier siden, men alligevel ser hendes finurlige kreationer lige så banebrydende ud som altid. Lady Gaga kunne bære sin skohat på scenen, og ingen ville slå et øje.
Schiaparelli, eller "Schiap", som hun blev kendt (udtales Skap), var langt forud for sin tid. Hendes skohatte, designet ud fra en skitse af Salvador Dalí, dukkede første gang op i hendes kollektion fra 1937/1938. Schiaparelli delte Dalis sans for humor og kærlighed til visuelle ordspil, såvel som hans ønske om at chokere og underholde. Han leverede ordspil og ikoniske billeder; hun formåede at gøre dem absurde og smarte på samme tid. Kort efter disse samarbejder begyndte Dalí for alvor at designe sine egne smykker.
Schiaparelli arbejdede mellem 1920 og 1954, men hendes storhedstid var tiåret før krigen. Hun trak fra alle de populære kunstbevægelser på sin tid, herunder modernisme, futurisme, kubisme, deco, afrikansk kunst, men blev især tiltrukket af surrealisme. Sammen med Dalí samarbejdede Jean Cocteau og Albert Giacometti om design med hende. Cecil Beaton og Man Ray fotograferede dem. Alle betragtede hende som en ven og ligeværdig.
Fra Schiaparellis Metamorphosis-samling, 1938, vist i Schiparelli retrospektive åbning på Musée des2 Arts i juli (Mcoratifs2 Décor) Da Elsa Schiaparelli lancerede sin første modedille i 1927 - trøjer med trompe l'oeil-sløjfer - havde hun ingen uddannelse i tøjdesign. To år senere udrustede hun verdens mest glamourøse kvinder og rockede modekonventioner med sine dristige farver og kropsbevidste design. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich og Katharine Hepburn bar hendes figursyede jakkesæt, mandlige bukser og cocky hatte.
Elsa Schiaparelli skabte også nogle mindeværdige kostume smykker og tilbehør, inklusive halskæden (ovenfor), der fik bæreren til at se ud til at have en parade af insekter kravlende rundt om halsen. Hendes smykkedesign begyndte sandsynligvis med de fastgørelseselementer, hun designede til sit tøj fra træ, porcelæn, celluloid, glas, krystal, rav, hvid jade, forseglingsvoks – knapper formet som snørebånd, snegle, toppe, hængelåse, møtrikker og bolte, kaffebønner, slikkepinde, jordnødder, skeer, frugter og grøntsager.
"Hun er ansvarlig for følelsen af spontan ungdom, der har sneget sig ind i alt," fablede Vogue i 1935.
Læs mere om Elsa Schiaparelli.
Marianne Ostier var den primære designer bag Ostier, Inc., et smykkefirma, hun drev sammen med sin mand, Oliver Ostier i midten af århundredet. En vinder af mange prestigefyldte diamantdesignpriser var Ostier kendt for indviklet tilfældige monteringer og organiske teksturer, der afspejler hendes uddannelse som kunstner.
Marianne Ostier studerede på kunst- og håndværksakademiet i Wien og var praktiserende maler og billedhugger, da hun mødte sin mand, kendt dengang som Otto Oesterreicher, en tredje generations hofjuveler i Østrig. De kom til USA i 1938, efter den nazistiske annektering af Østrig, og lancerede en smykkeforretning under deres nye navn.
Adskillige Ostier-juveler solgte et godt stykke over estimater hos Sotheby's sidste år, inklusive en diamantdiadem, der indbragte 225.000 $, lavet til europæiske royalty før krigen. Det viser både Ostiers flydende måde med diamanter og platin og de kongelige forbindelser, som Ostiers havde, da de landede på statssiden. Et andet diamant- og platinstykke på auktionen viser designeren 17 år senere, på hendes midt-århundredes moderne højdepunkt.
"Galaxy" broche af diamanter (40,26 karat) i platin af Marianne Ostier, ca. 1955 
Armbånd af Marianne Ostier, ca. 1960'erne, af kulturperler og diamanter, $24.975 ved 1stdibs
Det var på de amerikanske kyster, at Ostier udviklede en meget anderledes signaturstil, der involverede mindre symmetrisk, mere organisk form – og en mester i guldtonish. Hendes dramatiske "Voodoo"-halskæde af frynser i 18 karat guld og cabochonsmaragder, blandet med diamant-sæt platin, ligner meget luksuriøs tang og må have været noget af en feststopper, da den debuterede.
Læs mere om Marianne Ostier.
Margaret De Patta var banebrydende for så mange aspekter af studiekunstsmykker, som vi ser nu, at mange smykker, hun designede før Anden Verdenskrig, kunne have været visionære af en kunstner. Hvis du ikke var så heldig at se det nylige retrospektive af hendes arbejde på Museum of Arts &Design i NYC, kan du stadig få udgivet kataloget med hardcover i oktober sidste år.
Space Light Structure:The Jewelry of Margaret De Patta var et af mine yndlingsopkøb det år. Som studiesmykker går, virker meget af De Pattas arbejde så moderne, at det er svært at huske, hvor skørt det må have set ud for smykkeverdenen, da hun lavede det. "Hendes smykker var meget friske, meget avantgarde, meget chokerende for nogle mennesker," siger Julie Muniz, en af udstillingens forfattere og medkuratorer.
Vedhæng af guld og rutileret kvarts, 1948, af Margaret De Patta (samling Oakland Museum of California/foto M Lee Fatherree) De Patta studerede maleri ved Art Students League i 1920'ernes NYC, da hun blev involveret i smykkedesign, og du kan tydeligt se den indflydelse fra tidlig moderne kunst i hendes smykker. Hun lavede nogle fascinerende kinetiske stykker med dele, der drejer rundt for at forvandle designet, og inkorporerede almindelige strandsten seks årtier før det ville blive trendy blandt kunstjuvelerer.
Men de mest forførende juveler, hun lavede - eller "bærbar skulptur", som hun refererede til det - var de "optik", hun designede med Bay Area lapidær Francis Sperison. De Patta gjorde fantastiske ting med rutileret kvarts, designede metalrammer til at afspejle vinklerne på rutilationerne og brugte selve kvartsen til at skabe optisk forvrængning.
Læs mere om Margaret De Patta.
Der er mange flere kvinder, der banede vejen for smykkeverdenen, som vi kender den. Jeg vil forsøge at komme til dem, når de dukker op på auktion og udstilling. Jeg tror, kvinder vil fortsætte med at spille en stor rolle i smykkedesign. Jeg har interviewet mange talentfulde mandlige designere og designere gennem årene, men jeg møder mange flere kvinder i disse dage.
Det sidste år har jeg set en ny generation genaktivere en gammel kamp for lige rettigheder, der kulminerede i, at millioner gik på gaden rundt om i verden til kvindemarchen i januar. (Jeg marcherede i Washington DC med mænd og kvinder.) Vi er nået langt, men det er ved at blive klart, at vi har en vej at gå. Lad os i dag fejre de modige og talentfulde visionære, der har bragt os så langt.
Copyright ©Cathleen McCarthy. Alle rettigheder forbeholdes.
Kvindesmykkedesignere
Smykker af Suzanne Belperron:My Style is My Signature
Space Light Structure:The Jewelry of Margaret de Patta
Chokerende:Elsa Schiaparellis surrealistiske verden
The Cartiers:The Untold Story of the Family Behind the Jewelry Empire
Denne side indeholder affiliate links